Review: Deathrite "Deathrite" (2011)

-Deathrite “Deathrite” (2011)
Alemanes y con sangre saliéndoles por todos sus poros, Deathrite no planea dejar sobrevivientes. En un disco que roza los veinte minutos, no hay tiempo que perder.
“Prophecy” nos da la bienvenida con un clima apesadumbrado, que nos remite a bandas como Trap Them, Nails, Cursed, Nasum y otros exponentes en eso de llevar la suciedad del querido Grindcore de cada día a nuevos terrenos de intoxicante belleza (ácido sentido de la palabra).
En ese sentido, nos encontramos un álbum de ocho temas que va más por el camino del Core que del Death Metal, sin perder en ningún momento la brutalidad del género.
Guitarras crusteras con resabios deathmetaleros, momentos de violencia a puro blast beat, rebajes sludgeros, un vocalista gritón que, a pesar de sus limitaciones, sigue el guión del género, un clima de suciedad permanente y un groove rockero que se presenta en esos irresistibles riffs y solos.
La conclusión final es que estas ocho composiciones dejan una necesidad de más ante la perturbadora oscuridad que de éstas emana y que si Mieszko viera esto dibujaría una sardónica sonrisa en su hoy esquelético rostro. Sí, al final el buen Seth nos contagió, un brindis por los dos.


Review escrita por Mariano Lastiri.

Read More

Review: ZAT "Oleadas" (2011)

-ZAT “Oleadas” (2011)
Hola, somos ZAT, un trío de jóvenes descontentos con el mundo que nos rodea .Nuestros instrumentos son nuestras armas. Nuestras canciones nuestras banderas. Seguro nos llamarán anticuados, pero no nos importa. Sabemos cómo tocar donde más duele.
Nuestros orígenes nos hacen pararnos en una lucha que no es nuestra (un chileno y dos argentinos), pero que sentimos como propia.
Llámennos tontos. Nuestra música es sobre eso. Post-Hardcore en llamas, Emo catártico, Hardcore efervescente o una simple liberación, un groove envolvente que nos traga como aguas danzantes a punto de hervir. Un ritmo frenético que nos obliga a sacudir nuestras duras cabezas.
Amamos la escuela de Dischord y Ebullition Records, como también el lado más experimental del Anarcho Punk de finales de los setentas (Crass, The ex y Rudimentari Peni serian las referencias obvias). Por ende, nada de flequillos y sentimentalismos prefabricados. Esto es juventud, fresca y visceral, sin demagogias ni hipocresía. Nuestros dedos son ramas enloquecidas en un trance a punto de la hemiplejia. Tampoco piensen en música demasiado cerebral, aunque podamos competirle por momentos al más sesudo músico de Free Jazz.
Hasta en este segundo disco, no tenemos problemas en alabar a nuestros ídolos con un cover de Make-Up. Nadie nos escuchará, pero seguiremos gritando. Ese es el propósito.
Claro, como sabemos que no importa lo que hacemos, lo disponemos para ser escuchado y descargado acá: http://loszats.bandcamp.com/. Seguro ya habrás dejado de leer esta review antes de esto. O quizás no. Cada uno con su tema.

Review escrita por Mariano Lastiri.

Read More

Review: Surachai "To no avail" (2011)

-Surachai “To no avail” (2011)
Los que estén familiarizados con los anteriores discos de este proyecto del señor Surachai Sutthisasanakul (nombre complicado de pronunciar si los hay) pensará que este nuevo disco va por los territorios de la más abrasiva y corrosiva música Electrónica, como de la música Industrial más monolítica y brutal (sobre todo con su más reciente disco de este año, el visceral “Plague Diagram”).
Bueno, sí y no. Sí, porque la influencia extrema (la de extracción metálica, claro) toma total relevancia en base a un oscuro Black Metal siguiendo las tendencias actuales (sobre todo bandas como Krallice y el Nachtmystium de “Instinc: Decay”). Y no, porque la influencia electrónica está casi borrada de los dos temas que componen este disco.
Aquellas ráfagas de negra gelidez dibujan pinturas más melancólicas que brutales, sin necesidad de acercamientos demasiado técnicos.
Aún así, tenemos momentos donde se dan cortinas ambientales entre todo tipo de sonoridades, samples y ruidos varios, además de la batería electrónica que no tiene problemas en delatar su artificialidad, y apariciones de violines y guitarra acústica coronando el final.
Siendo su segundo disco oficial (segundo para Grindcore Karaoke, donde lo pueden bajar tranquilamente y en forma gratuita), el resultado, aún sin ser del todo radical y/o original, es un buen punto de partida para dejarnos esperando por un trabajo que combine tanto lo visto en sus discos anteriores como en este acercamiento al costado más negro e innovador del Metal extremo actual de la mejor forma posible. Estaremos esperando.

Review escrita por Mariano Lastiri.

Read More

Review: Lisabö "Animalia Lotsatuen Putzua" (2011)

-Lisabö “Animalia Lotsatuen Putzua” (2011)
Voy a ser completamente honesto. La sola mención de Rock Vasco trae a mi mente horribles recuerdos de pastiches Punks pseudo-revolucionarios (digamos que las revoluciones de corte nacionalista no son las que más me interesan, por así decirlo) de paupérrimo nivel artístico, de ese tipo de propuestas que parecen pensadas para justificar la idea de mucha gente de que el Punk es algo berreta y hecho sin el más mínimo aprecio por la música misma. Bien, con sus más de diez años de trayectoria y una discografía impecable sobre sus espaldas, Lisabö prueba ser una buena excepción a lo expuesto más arriba. “Animalia Lotsatuen Putzua” (“El pozo de los animales avergonzados”, en castellano) es su quinta placa, y en ella nos encontramos con seis temas que despliegan, en poco más de cuarenta minutos, un grado de inventiva e intensidad capaces de rivalizar con cualquier exponente destacado del Post-Hardcore mundial. En efecto, aquí hay un núcleo claramente Punk pero éste se encuentra trabajado con una musicalidad minuciosa y casi perversa (presten especial atención al trabajo de las guitarras, un auténtico manjar que no se priva siquiera de flirtear con los aspectos más elaborados del Noise-Rock), y arropado en una sensibilidad desgarrada y envolvente. Inclusive la larga duración de las composiciones (a un promedio de casi siete minutos por tema), la densidad de las imágenes en ellas propuestas y sus intrincados vericuetos dinámicos nos pueden hacer pensar tanto en las horas más complejas de Fugazi o Jawbox como en el Post-Rock catártico de Slint aunque, en última instancia, hay que reconocer que estamos en presencia de un grupo con identidad propia. Mi única (mínima, por cierto) objeción sigue siendo el empleo del euskera en las letras, no porque tenga algún problema en particular con dicho idioma, sino, simplemente, por una cuestión de costumbre. Si son capaces de superar ese ínfimo escollo, aquí podrán disfrutar de una panzada de Rock intenso e inteligente al mismo tiempo y entregado con las venas a punto de estallar.

Read More

Review: Sonne Adam "Transformation" (2011)

-Sonne Adam “Transformation” (2011)

La bestia se arrastró lentamente, aplastando a todo ser en su camino. El producto del pecado del hombre devora los cuerpos y tritura los huesos de sus víctimas. Por siglos aprisionada en una cueva de piedra húmeda con el único propósito de vengarse de aquellos que la encerraron.
Salida de algún texto de los evangelios apócrifos o de algún relato perdido del inmortal Howard Phillip, Sonne Adam da su tétrica carta de presentación desde tierra santa (Israel, para quienes no prestan atención).
A diferencia de varios casos conocidos salidos de esas antiquísimas y hoy conflictivas tierras (Orphaned Land y Melechesh serían algunos ejemplos), no hay un ápice de referencias religiosas, estéticas y/o musicales en Sonne Adam que los acerquen al folclore autóctono o a cuestiones culturales sobre su lugar de procedencia.
Esto es oscuro y arrastrado Death Metal o Doom Death Metal a paso de tortuga moribunda. Nada de teclados, operetas góticas o inflexiones lacrimógenas. Sólo cavernosas letanías.
Las referencias obligadas irían por los carriles del Death Metal de Morbid Angel, Bolt Thrower, Incantation, Obituary y Autopsy pero también es posible hallar más de una deuda a nombres como Cianide, Winter, Asphyx o Derkéta (entre otros), paladines ellos en eso de llevar al metal muerto a nuevos niveles de violencia pero desde el lado de la lentitud más opresiva.
En ese sentido, este dúo (un tal Dahan encargado de las voces y Davidov del resto de los instrumentos) presenta nueve temas del más embarrado, crudo y lento Death Metal que privilegia los medios tiempos, guitarras con algunas arrancadas de violencia, rebajes funerarios, un bajo enterrado en la mezcla y voces tan oscuras como claras en pos de relatar infinidad de blasfemias y oprobios en el buen sentido.
Cero innovaciones y, aún así, podemos decir que este trabajo tiene una calidad tan envidiable y composiciones tan filosas, que aquellos que amamos el Death Metal en proceso de descomposición (como aquel hecho en el ‘91), podremos seguir pudriéndonos lentamente con muchísimo placer.

Review escrita por Mariano Lastiri.

Read More

We Need More Guts - Vol. 1

El disfraz retórico no existe más, necesitamos mas tripas. We Need More Guts es la secuela (por así llamarla) de Rhetoric Disguise, y este es su primer disco, nombrado por el último del proyecto anterior, donde podremos encontrar una continuación del estilo duro, industrial y eléctronico que identificara a Rhetoric Disguise en sus discos pero con un énfasis en el corazón Punk, las canciones en sí mismas y despojado de aquel tono entre irónico y críptico de antaño.

Descargalo aquí

Read More

Parathion - Demo

Parathion es una reliquia de los noventas que nuestro amigo titsfox encontrara en el arcón de los recuerdos. Demo es la recopilación de dos grabaciones recuperadas de cinta, tratando de rescatar lo mejor posible la calidad de sonido, pero conservando la crudeza y frescura de aquellas épocas de bermudas y camisas a cuadros.

La primera de dichas grabaciones, tracks 4, 5 & 6 que datan del 1995, mostraba un estilo Death Metal / Deathgrind, mientras que en la segunda sesión, tracks 1, 2, 3 & 7 que datan del 1996, la banda ya tomaba un dirección que se volcaba hacia el clásico thrash de los 90's y una calidad sonora un poco mejorada.

Ambas grabaciones fueron recuperadas de cassettes y mejoradas, dentro de las posibilidades para ser presentadas en formato digital. El arte de tapa es obra original del sr. titusfox.

Descargalas aquí

Read More

Review: All Pigs Must Die "God is war" (2011)

-All Pigs Must Die "God is war" (2011)
Ya hace tiempo que podríamos destruir el mito de los supergrupos. Es que en la mayoría de los casos sabemos que lo único súper que tienen estos esta en que los implicados pertenecen a bandas más o menos reconocibles dentro de la escena que pertenecen y que no se refiere en nada a los resultados que dicha unión genera. All Pigs Must Die podría ser un supergrupo en el buen sentido de la palabra, aunque no se trata en lo absoluto de un proyecto original ni dentro de lo esperable de los involucrados. Tampoco es que lo necesiten. APMD va en cierto sentido por los senderos de otros proyectos etiquetados con este ridículo mote por la prensa rockera, como Arson Anthem, Nails (Tanto ellos como APMD en Southern Lord) o Venomous Concept. Es decir, pura y jodida catarsis en clave de hardcore punk del más brutal. Kurt Ballou y Ben Koller de Converge, Kevin Baker de The hope Conspiracy y el ex The red Chord y actual Blood Horse Adam Wentworth, dan rienda suelta a un salvaje festin de Crust/D beat puesto al día en 8 composiciones de puro odio en media hora y con remansos de las bandas de los involucrados. Eso significa que a las toneladas de violencia de temas como Death Dealer y The blessed Void, podemos notar riffs tambien entrando en terrenos más del crossover thrash (Third World Genocide), riffs más disonantes (Pulverization) y hasta ese interesante medio tiempo llamado Sadistic Vindicator, coronado por esos malignos arpegios, sin perder el clima de total opresión durante el transcurso del disco. Mientras esperemos nuevo material de los implicados en APMD, aquí tenemos un interesante disco para entrar al mosh más descontrolado (sin karatekas claro) y gritar como diría Orwell en su genial rebelión en la granja “Que todos los cerdos se mueran”¿O fue Ricardo Iorio?

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Review: Blut Aus Nord "777 – The Desanctification"

-Blut Aus Nord "777 – The Desanctification"
La pesadilla continua. Duele. Se mete entre nuestros dedos. Nuestra cabeza. Genera imágenes espantosas. Amorfas. Nos corta el aliento. No quiere que despertemos. Es imparable y se presenta en forma de un grupo de desconocidos franceses que sacan a la luz sus opresivas composiciones con un nivel de precisión (y hermetismos) de una asfixiante brillantes incomparable. Es que después de aquel perturbador inicio de esta trilogía con 777 – Sect(s) de este año, las expectativas estaban en como sería su sucesor, llamado 777 – The Desanctification, y si este seguiría aquel camino de sofocante y maquinal negrura que supieron darnos desde Mort y Odinist, que los acercaba al imaginario Apocalíptico Phillipidickiano alguna vez generado por el señor Justin Broadick llamado Godflesh. Pues podemos dar dos pulgares afirmativos para esta segunda entrega. Afortunadamente todos esos elementos están ahí: la batería electrónica marcando esa atmósfera entre artificial y letárgica, las guitarras generando entre climas angustiantes y disonantes (con deudas a sus compañeros de andadas y anonimia, Deathspell Omega), los teclados semi sinfónicos que complementan la oscuridad, las voces de Vindsval entre pesadillescos gruñidos y recitaciones fantasmales, y composiciones que nunca detienen ese sentimiento entre sombrío y desgarrador.
Claro, hay cambios notables en comparación a su antecesor. Podemos notar que no se encuentran aquellas aceleradas Blackmetaleras con blast beats incluidas, que son remplazadas por temas a medio tiempo, sin perder los momentos de pura y negra brutalidad como en VIII. Además hay una mayor exploración a la hora de generar atmósferas y climas que aportan nuevos paisajes al insufrible macrocosmos que estos conciudadanos de Sarkosy tienen para ofrecernos, como en X .
¿Es una disco más orientado al costado atmosférico de Godflesh? Absolutamente, pero como hemos notado, BAN no pierde su identidad y sigue explorando todas las rutas posibles hacia el sendero que más los acerquen (inteligentemente, nada de pose por suerte) a la vehemencia intransigente del maligno. Esperemos que con semejante secuela, su blasfemo y digital sucesor pueda tener este nivel, y cerrar con Celeste y Deathspell Omega, algunas de las mejores trilogías que nos ha dado el Black Galo de estos últimos tiempos. Un crossaint porque esto suceda.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Review: Prurient "Bermuda Drain" (2011)

-Prurient "Bermuda Drain" (2011)
Había pasado un tiempo desde que Ian Dominick Fernow no sacaba a la luz una nueva manifestación de sus angustias existenciales a través de Prurient (su último disco había sido Stars Explode de 2009) para concentrarse en la oscuridad de Ash Pool, Vegas Martyr, Roman Cross y Devil s Dung, todos proyectos abscriptos al más oscuro black metal, como también en terrenos de la electrónica más convencional con el oscuro Techno de Vatican Shadow y Cold Cave, aquel proyecto del ex American Nightmare, Give up the ghost y otros tantas más, Wesley Eisold. Editado por Hydra Head (primera incursión en el sello de Aaron Turner), Bermuda Drain pareciera ser un disco a todas luces influenciado por el paso de estas dos bandas antes nombradas.
En temas como Mary Jewels surround the crown, A meal can be made y There are still secrets donde nuestro amigo camino por los caminos de un Techno por momentos con vestigios soñadores que recuerdan a Vangelis en buena medida, con un toque extra de oscuridad (matizada por esos gruñidos modificados digitalmente) con giros oscuros y el buen Ian entre gritos y voces recitadas. Aún así, nos encontramos a momentos que regresan al ambient/Noise agobiante caracteristico de Prurient como Watch Silently y Myth of sex, y en temas donde se mueve a mitad de camino entre estos dos terrenos como esa suerte de ambient tranquilizador llamado Palm Tree Corpse. Veremos si Fernow sigue este camino para Prurient, o nos regresa a ese enfermizo costado con el que se hizo a conocer. De todos modos, un interesante trabajo para no sentir todo el tiempo que el mundo es una mierda (o lo es, pero con buena música que lo sustente).

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Review: Pez "Volviendo a las cavernas" (2011)

-Pez "Volviendo a las cavernas" (2011)
Pez sigue apestando. La principal razón radica en que el proyecto del eterno adolescente conocido como Ariel Minimal nunca pudo plantarse a un sello grande (a pesar de innumerables intentos) o lograr que sus temas puedan escucharse en las Fms o con algún video ocacional en la hoy horripilante Mtv. Con 12 discos editados, discos en vivo y una época que lo vio bastante prolífico (aunque con algún tropezón relevante, como Pez de 2010), al ex Cadillac y hoy en El siempreterno, solo le importa hacer lo que le gusta a pesar de miles de contratiempos pasados. Volviendo a las cavernas afortunadamente, nos muestra al Pez más energico, ese que muestra su veta personal y única. Ya desde el nombre, Ariel nos dice que algo de ese sonido que encontramos en los geniales Quemado (1996) o Fragilinvencible (2000). Riffs agresivos y un hammond al rojo vivo nos atacan en el comienzo de De como el hombre perdió, y a la influencia progresiva de siempre podemos agregar a Black Sabbath, sin necesidad de entrar en cabalgatas, y manteniendo el espiritual que fusiona el rock progresivo con la energía del punk rock. En ese sentido, las composiciones siguen ese camino con ese groove contagioso con temas como Lo interesante es por afuera (con esas interesantes secciones de teclado), El motivo o Cavernas. La banda baja revoluciones con Aferrándonos desesperadamente a lo poco bueno que queda o esa suerte de balada llamada Seremos Recuerdo. Confrontación con su intimismo Psicodélico nos trasporta a un trance , mientras que El idiota vuelve a la furia de aires vintage. Sin duda, Volviendo a las cavernas para muchos será un más de lo mismo, pero en el buen sentido de la palabra. Si nunca escuchaste Pez, este es un buen punto de partida para conocer una de las bandas más notables del rock nacional.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Rhetoric Disguise - We Need More Guts

Rhetoric Disguise no existe más. Ahora se llama We Need More Guts. Que es también el título de este disco en cuestión... y los nombres de los temas son los nombres de los discos previos de Rhetoric Disguise...

Ave Justino, una vez más.



Bajá We Need More Guts de Rhetoric Disguise acá

Read More

Review: Fudge Tunnel "Creep diets" (1993)

-Fudge Tunnel “Creep diets” (1993)
Una supernova estallando en las entrañas a puro chillido e irritante repetición. “Creep diets” es el epítome de una generación, casi anticipando su prematuro suicidio. Casi como las sentencias definitivas que fueran las acciones de Charles Manson y las reflexiones de Hunter Thompson para los hippies. “Creep diets” es el balazo simbólico cuyas esquirlas se extienden hasta clavarse en los costados más dolorosos del alma. Sí, “Creep diets” bien podría ser un claro anticipo del Nü-Metal, con sus grooves saltarines, sus riffs simples (o no tanto) y obesos, y su brusquedad producida al detalle. Pero también podría ser aquel disco Punky, confrontacional y abrasivo que Kurt Cobain prometió desde que “Nevermind” desbancara de los charts a Michael Jackson, y nunca entregó del todo. Aunque, en plan de comparar, se trata más bien de una criatura capaz de pelearle mano a mano a aquel imbatible acorazado de las bolas de ruido rítmicas y los golpes de batería desnucadores que fuera el Helmet de esos lindos años, al menos en términos de quirúrgica agresión física a los sentidos. ¿Sludge? Claro, ¿qué sería de tanto barbudo sureño con mucho dedo gordo y poca imaginación sin esta clase magistral de riffeo empantanado y sintetizado al máximo? La ventaja con Fudge Tunnel es que algún visionario ya pensó aquella acertadísima (como nunca) descripción del trío como la perfecta cruza entre los tres Blacks, entendiendo esto como los riffs más siniestros y aplastantes de Sabbath, la taladrante disonancia, los bajos podridos y el humor negro de Big Black, y el eterno fuego Punk, desesperado, caótico, acorralado, con los dientes apretados y a punto de romperse y, aún así, templado y seguro de Black Flag. Y si dicha definición suena posible y correcta (en mayor o menor medida) para explicar géneros diversos como Grunge, Noise-Rock (al menos del lado más pesado de Unsane, Melvins o Killdozer, aunque hay aquí varios climas y erupciones de pura abstracción sónica que no desentonarían en las horas más oscuras de los primeros Swans y Sonic Youth), Sludge, Post-Hardcore (más New York que Washington pero con su propio sabor de cepa británica) e inclusive (estirando más o menos el grado de indignación del lector ante mis implicaciones) Nü-Metal, es porque Fudge Tunnel nunca estuvo muy contento con ese tipo de encasillamientos. Es más, da la impresión (al menos por la rabia sudorosa y áspera que exudan estos once pequeños tratados sobre el lado oscuro del espíritu humano) de que estos chicos nunca estuvieron demasiado contentos con nada. Si andan dispuestos y con ánimo como para saborear un jugoso y rancio tazón de disgusto, he aquí una dieta con la que se atragantarán de pura e incorruptible dicha malsana.

Read More

Review: Subrosa "No help for the mighty ones" (2011)

-Subrosa "No help for the mighty ones" (2011)
Ya con Strega de 2008, estas muchachas (y un muchacho) residentes (disculpe presidenta) de Utah habían sorprendido a más de uno con esa suerte de Sludge/Stoner/Doom oscuro, con mucha influencia del post punk más frío (The cure, Siouxie and the Banshees, Bauhaus, el Swans más cancionero) y de referentes más modernos (Pj Harvey, Paradise Lost y Type O negative) como popes del sludge stoner metálico (sin llegar a composiciones claustrofóbicas y/o crudas).
Esto en gran medida, contrastado por un prodigioso y tétrico violín a cargo de la pelirroja Sarah Pendleton (los teclados no son, por suerte, necesarios en este caso), las voces entre hermosas entonaciones femeninas (nada de juegos corales ni acercamientos al goticismo edulcorado de Tristania y Within Temptation) y voces rugidas, además de esos oscuros riffs entre áridos, psicodélicos y embotadores, que le dan una identidad única a este quinteto.
No Help for the Mighty Ones sigue el camino trasado por el grupo, con algunos ligeros cambios de formación y agregado de Samples, un violín extra y toneladas de oscuridad.
Canciones como Borrowed Time Borrowed Eyes, Stonecarver y aquel batifondo llamado Whippoorwill, nos trasportan a un terreno más melancólico que salvaje, en base a las hermosas entonaciones vocales (más cercanas a Polly Jean Harvey) , oscuras voces rasgadas, un violín que pasa de delicados gemidos a deslices fantasmales, y los riffs que van de rebajes stoner más relajados, torbellinos de angustiosa oscuridad y armonías agridulces.
Como si fuera poco, en House Carpenter, hacen una suerte de tributo acapella al country de dicha banda norteamericana con buenos resultados. Dark Country da fin a este dulce viaje sin dejar de lado el dulce abismo donde cómodamente nos hicimos caer.
El que quiera una propuesta más pesada, No help for the mighty ones seguramente no será de su agrado. A quienes buscan algo un tanto más relajado, sin alejarse de la cautivadora oscuridad sabbathica de hoy, les podrá resultar un plato más que interesante. No es malo intentar.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Review: Looking For an Answer "Eterno Treblinka" (2011)

-Looking For an Answer "Eterno Treblinka" (2011)
Con propuestas como Haemorrhage, Moho, Machetazo, Dishammer, Human Waste, Chococrispis y otras tantas, esta claro que España tiene un underground extremo que podría envidiar cualquier escena de primer mundo. Los Looking For an Answer se cuelan en esa lista sin problema alguno.
Y no es que hablamos de la propuesta más original y arriesgada. Hablamos de grindcore claro, a las chapas, con el manual de los viejos popes (Napalm death y Repulsion las referencias más obvias) y con el sonido que destaca al genero en pleno siglo XXI.
Eterno Treblinka es el tercer disco de estos madrileños y su debut en Relapse, cuna de algunas de las propuestas más renovadoras del metal extremo y la música en general.
No inventan nada ni se suben a las nuevas tendencias. Tampoco usan samples como sus hermanos de Machetazo y hasta usan su lengua madre como estos.
Sin desmerecer este trabajo, a lo largo de 17 temas (16 composiciones propias y un cover de los suizos Fear of God), LFAA sigue el manual de estilo del amante del grindcore de hoy.
Riffs de impronta Crustera/Deathmetalera, aceleradas a los chapazos (con los respectivos blast beats), voces más podridas que las carrasperas hardcore habituales (más cercanas a Mortician), letras que hablan de liberación animal y problemáticas sociales, entre otros chiches.
Un exquisito y putrefacto manjar para seguir disfrutando de las grandes innovaciones de popes como Pig Destroyer o Nasum y de los que solo se quieren divertir siguiendo a los padres de la criatura.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Review: Stillsuit "At the speed of light" (1997)

-Stillsuit “At the speed of light” (1997)
Coletazos de fuego, serpientes eléctricas sacudiéndose brillantes sobre un oxidado firmamento negro. Cuerdas tensadas y agredidas con el mayor amor posible. Uno casi insano. Y sí, algunos de estos golpes iniciales pueden recordarnos a los gruesos bíceps de aquel Henry Rollins de principios de los noventas aunque, por momentos, el desnudo, inquieto y huesudo torso de David Yow (¿O es un Guy Picciotto ahogado por la rabia?) parezca entrometerse en chispazos fugaces. Pero, antes de que alguien pueda llegar a dudarlo, las polvorientas y ensordecedoras calles de New York se hacen presentes entre el groove obsesivo y los riffs cortantes del primer Helmet, las disonancias más punzantes y los graves más degradados que Unsane nos haya legado, la sutil brutalidad dinámica y el nervio emotivo de Quicksand, las murallas de distorsión rítmica de Die 116, algún dejo al brillo espacial de Shift, pasajes donde estalla el lazo con la vieja escuela en la forma de un Burn o un Supertouch (tal vez con un dejo lejano a Revolution Summer pero no hay quejas en ese aspecto) y hasta cierta sinuosa pesadez que, claramente, nos adelanta bastante de lo que grupos como Deftones (sí, ya sé que no son neoyorquinos, pero se entiende el punto, ¿no?) o Glassjaw (no es casualidad, aquí teníamos a Manuel Carrero, bajista de los liderados por Daryl Palumbo) explorarían en años posteriores. En otras palabras, esto es Post-Hardocre de dientes apretados y venas palpitantes. De guitarrazos que exorcizan demonios a pura cacofonía atonal, estallando en caleidoscopios de luz que cobran sentido sólo cuando los sentidos se enfocan de forma certera y apenas replegándose en jugosas construcciones armónicas entre la belleza y la disonancia. De una base rítmica que tritura huesos a paso medido, concentrado, levemente irregular (como para que la marcha no se exceda en monotonía y baje en intensidad. De hecho hay más de una acelerada que confirma lo dicho más arriba sobre la vieja escuela) y absolutamente implacable. De un cantante que se deja el alma en cada surco, logrando causar todo tipo de emociones viscerales aún a pesar de sus limitaciones técnicas. De un puñado de canciones ideales para levantar el ánimo estimulando las zonas más jodidas de la imaginación, para celebrar la vida mientras ella más nos duela y, finalmente, para poder despedir sin culpas a todo ese dolor, con una sincera palmada en el hombro y una flamante sonrisa asomándose lentamente en la comisura de los labios.

Read More

Review: Corrupted "Garten Der Unbewusstheit" (2011)

-Corrupted "Garten Der Unbewusstheit" (2011)
Aquel paisaje. Las nubes de ceniza. El loto quemado. El rancio olor de una chimenea. El hedor a carne putrefacta. El dióxido de carbono invadiendo nuestras fosas. La vida pasando por nuestros ojos como diapositivas. Una marcha mortuoria que niega hablar del final, y de crear recuerdos dolorosos.
De pasar de estelas grises a ojos vidriosos. De aceptar cambios aunque estos se tiñan de sangre.
Corrupted sangra y ha sangrado desde sus inicios en 1994 con 5 discos y infinidad de eps/splits. Aún así, Garten Der Unbewusstheit pareciera marcar la diferencia. Por un lado ante el cambio de idioma para el titulo y parte de los nombres de los temas/letras (estos japoneses siempre han destacado por ponerle como títulos a sus discos nombres tan particulares como Llenándose de Gusanos, Se hace por los sueños asesinos y El mundo frío, además de variar del japones, español e ingles en sus líricas), apelando a un nombre y un titulo bastante particular (El jardín de la inconsciencia en lengua teutona).
No es para menos, Garten Der Unbewusstheit marca la última participación de Hevi en el bajo y voces. Casi una carta de despedida o mejor dicho, un funeral anticipado. Garten nos trasporta a un oscuro viaje tan melancólico como ríspido. Compuesto por 2 temas extensos (ambos casi promediando los 30 minutos) y un pequeño interludio entre estos, el disco no teme pasearse entre momentos acústicos a explosiones cargadas de una visceral melancolía que los ponen más allá de categorizaciones tan simplistas como sludge o post metal. Las voces de Havi entre recitaciones y rugidos despechados agudizan este clima. Es que las canciones, reemplazan aquella maldad y furia de los géneros antes mencionados, y nos trasportan en una suerte de carroza fúnebre de pura desesperanza y angustia axfisiante, sin necesidad de caer en teclados góticos o de entrar en el mundillo del doom/death o el funeral doom.
Podríamos llamar a esto una suerte de Neurosis más épico y melancólico (sin caer en el costado tribal del mismo), pero ni eso nos acercaría a este majestuoso paraíso de tristeza y lacrimógena vehemencia. Un delicado sepelio para despedir a una de las voces más sentidas del metal extremo.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Review: La última canción del mundo "La última canción del mundo" (2011)

-La última canción del mundo "La última canción del mundo" (2011)
Screamo. Emo. Post rock y Screamo. Post hardcore con inclinaciones espaciales o el más memorable viaje. Todos adjetivos o rótulos apropiados para estos rosarinos emocionales.
Desde aquel disco de 2007, La última ya se presentaba con una interesante propuesta, mamando en cierto modo del costado más emocional y menos brutal del screamo, y aderezándolo con cuotas de Post rock sin caer en la formula de los últimos discos de Envy o Pianos Become The Teeth, aunque si tomando el costado más soñador y explosivo de estos. Con 8 composiciones sin nombre, nuestros amigos pasan de momentos de afiebrada convalecencia a hermosos tramos de injerencia cósmicas, que no desentonarían en el lado más sentimental de Deftones o a otros popes del screamo más sideral.
Por otro lado, las canciones no temen a rebajes post rockeros que explotan sin necesidad de tramos extensos manteniendo el equilibrio en el proceso.
Podemos decir, que hay una notable madurez en las composiciones y aunque eliminaron ciertos elementos de su anterior disco (las canciones con voces femeninas, los temas de extracción post hardcore), el disco en términos generales suena mucho más natural y enfocado, manteniendo un hilo conductor tema tras tema.
Con este segundo disco, los rosarinos se mantienen como uno de los grandes exponentes de la sentimentalidad más efervescente hecha canción. Esperemos que no sea la última en ser escrita.
Pueden escucharlo acá (Nota: Posterior a la grabación de este disco, Adriano, el vocalista dejó la banda)

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Tercera Invasión Oriental

Read More

Asilo / Fracción George Best - Split

Asilo y Fracción George Best unen fuerzas en un split de puro ruido y acoples. Por un lado Asilo, de Argentina, nos trae su particular visión sludge/crust/post-punk de la música, mostrando el lado agrio y frío del split, mientras que Fracción George Best, de Chile, nos presenta su particular estilo de hardcore sucio y emotivo mostrando el lado desgarrador del split, con las venas abiertas y el corazón en la boca; ambas bandas complementándose perfectamente en un disco lleno de melodías gancheras y buenas canciones.

Bajátelo aquí

Read More

Review: Immolation "Providence" (2011)

-Immolation "Providence" (2011)
Innovación o estancamiento. Parecieran ser las premisas que sigue el death metalero de hoy. Por si fuera poco, sobran ejemplos de grupos donde se abusan de modismos que olvidan elementos que le daban una calidez al metal muerto, sobre todo ante el abuso de técnica y la falta de groove, o incluso esa necesidad de volver a sonar como los primeros popes del genero.
Con Immolation no tenemos que preocuparnos por ninguna de estas cuestiones. La personalidad del cuarteto es indiscutible. 25 años de carrera y una discografía bastante envidiable lo confirman.
Pero claro, siendo una banda que pertenece a la primer camada producto del genesis putrefacto de Morbid Angel o Death, nunca necesitaron el piloto automático de otras bandas de genero como Cannibal Corpse. Su fuerte esta en generar un sonido oscuro, intrincado , disonante y atonal que los marco y del cual pocas bandas supieron imitar.
Para conmemorar sus 25 años de carrera, la banda comandada por Ross Dolan decide sacar nuevo material en forma de un ep de 5 temas (sucediendo al demoledor Majesty and decay).
Providence sigue demostrando los dotes compositivos de la banda de New York, con todos los elementos que los hicieron una banda de culto.
Las disonancias y riffs atonales bastante marcados, el vozarrón gutural de Ross Dolan que es marca registrada, los blast beats y golpes marcando el clima tétrico (aunque en este caso llevando las cosas más al medio tiempo) y esos climas entre cáusticos, pesadillescos y alquitranados, sin necesidad de llevar las cosas a los terrenos del black metal siquiera.
Más material de calidad, que sin aportar nada nuevo dentro del prontuario de los inmolados, pero siguiendo con las lecciones de que lo importante no es necesariamente la técnica, sino saber donde poner las notas para seguir dando cátedra de como debería sonar un disco de death metal a pocos días del fin del mundo.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Review: Capillary Action "Capsized" (2011)

-Capillary Action “Capsized” (2011)
Jonathan Pfeffer nació en Estados Unidos, hijo de una traductora argentina y un cameraman israelí. En 2004 dio a luz este proyecto musical conocido como Capillary Action que lo tiene como único miembro fijo, minucioso compositor, vocalista principal y guitarrista. “Capsized” es su segundo larga duración (precedido por el muy recomendable “So embarrasing”, editado en 2008), lanzado por Pfeffer en su propio sello discográfico, Natural Selection Records, y en él encontraremos doce nuevas canciones que dejan en claro el tremendo grado de originalidad y la musicalidad a la vez demente y refinada de la que hacen gala estos tipos. En primer lugar, cabe mencionar que, al menos para este registro discográfico, la formación de Capillary Action es enteramente acústica, valiéndose de batería, percusiones varias, guitarra acústica con cuerdas de nylon, trompeta, acordeón y las voces de lo cinco músicos involucrados (hay momentos corales que son para sacarse el sombrero y aplaudir de pie) para colorear las intrincadas elucubraciones compositivas del buen Pfeffer. El hecho de que él mismo cite influencias de artistas tan dispares (o no) como Tom Ze, Mercedes Sosa, Shudder To Think, Ornette Coleman, Kate Bush, Converge, Bartok, György Ligeti y Phil Spector ya debería darles cierto indicio del espíritu desprejuiciado y la constante ebullición de ideas que plagan estas canciones. Por supuesto, también podríamos mencionar a otros redefinidores del formato Rockero, como Mr. Bungle, Extra Life, Secret Chiefs 3, The Book Of Knots o Time Of Orchids pero, en última instancia, no hay forma de hacer comparación alguna que no resulte injusta a la hora de determinar la personalidad vibrante, colorida y excitante del quinteto. Y es que cada segundo de “Capsized” es una invitación a la sorpresa constante, un torrente de energía que obliga a mover el esqueleto con sus laberínticas polirritmias, un frenético recorrido plagado de enroscados detalles armónicos y zigzagueantes desarrollos dinámicos, una pintura casi barroca en concepción y ejecución pero tratada con un buen gusto melódico envidiable y un empuje urgente y juguetón. En fin, no es material fácil (ojo, tampoco se trata de música ruidosa o extrema, aquí la afiebrada experimentación va siempre guiada por una inquebrantable sensibilidad melódica) pero si se toman el trabajo de desmenuzarlo con la debida atención, la recompensa puede ser más que jugosa y reconfortante, en especial para aquellos que aprecien la innovación y la elaboración por sobre todas otras virtudes musicales.

Read More

Review: Fuck the facts "Die miserable" (2011)

-Fuck the facts "Die miserable" (2011)
El pecho se tensa. Los músculos se expanden hasta explotar. La garganta arde como el mismo infierno. Los ojos quedan inyectados de sangre mientras giran a toda velocidad. Las arterias explotan y dejan salir cientos de hormigas y todo tipo de alimañas. El torax explota dejando salir una entidad superior.
Su nombre es Fuck the facts, sus herramientas son instrumentos y todo elemento alucinógeno que poseen al alcance. Su cabeza vertebral es Mel Mongean, una blonda que supera con sus dotes vocales a mamarrachos como Angel Gossow, los brazos son las guitarras de Johnny Ibay y Topon Das, encargados de abrir nuestras cabezas con riffs de un nivel técnico, sin perder la brutalidad más propia del grindcore y romper de paso toda convención apiñando toda influencia respetuosa que calce (Metalcore, Noise, Post metal, Neo crust, sludge, death, entre otras delicias) volando la tapa de los sesos de quienes tiene a su lado. Claro también están las piernas, con ese bombo preciso y letal a cargo de Mathieu "Vil" Vilandre, quien no tiene miedo de pasar de tiempos entre alucinógenos a el blast beat en un abrir y ojos, y no menos importante, el bajo de Marc Bourgon, tapando de todo hueco con maestría.
Die Miserable es otro de sus hijos inmundos y esta claro hacia donde va la cosa. Durante todo el disco se respira un clima entre tenso y técnico, sin olvidar el groove (Drift, Lifeless), momentos de mayor elaboración sin perder la contundencia (Census Blank) o rebajes sludgeros (como el tema titulo), para volver todo a la mierda con a Cowards Existente y la oscura hasta rockera 95. Aunque sin superar a su pútrido hermano de 2008 (el monumental Disgorge Mexico), Die Miserable es un buen ejemplo de cómo los buenos genes pueden dar terribles criaturas. Esperemos que sus primos estadounidenses, Cephalic Carnage, sigan logrando el equilibrio dado por estas entidades bestiales francocanadienses.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Review: The Residents "Lonely Teenager" (2011)

-The Residents "Lonely Teenager" (2011). 45 años de carrera ininterrumpida, más de 30 discos en su haber, discos en vivo, singles, hasta discos multimedia, y el surrealismo pesadillesco que levanta este colectivo audiovisual y conceptual no detiene su marcha, con un mito y anonimato aún vigentes.
En ese sentido, varios se preguntaran ¿Cuál es el sentido de escribir una review de otro disco más de The Residents? Esta claro que sus discos más emblemáticos fueron hechos durante los setentas y los ochentas, como los excepcionales The Third Reich 'n Roll (1974), Eskimo (1979), The Commercial Album (1980), Mark Of the Mole (1981) entre otros discos destacables.Pero claro, no olvidemos que las excentricidades musicales de este grupo de vaya saber quienes, marcó a toda una generación de músicos que estuvieron lejos de los estamentos tradicionales (el caso más conocido sería el de Primus, quienes hacen una muy buena versión de los temas Hello Skinny y Constantinople), y por el otro lado porque su sonido sin duda ayudó como génesis de sonidos como el Noise rock, el Ambient y la electrónica más abstractas y otros delirios sonoros.Lonely Teenager pertenece a una serie de discos conceptuales que lleva la banda desde 2010 con el nombre de Talking Light, donde cuentan historias de personajes obsesionados con fantasmas, personajes imaginarios y fenómenos sobrenaturales, con este siendo el tercer disco de esa serie (que empieza con Dollar General, Chuck's Ghost Music y el disco en vivo Bimbo's Talking Light).Seguimos en los caminos de siempre. La electrónica minimalista con aires espaciales propia del Kraut rock (Six More Miles), las voces alienígenas que son marca registradas, algún que otro desliz de cuerda (My Window), sonidos entre soñadores y perturbadores, brotes sicóticos convertidos en manifestaciones sonoras de puro aire lisérgico (dentro de los estándares que creó el grupo claro), canciones más movidas con un espíritu entre burlon y casi festivo (The Lizard Lady) sin perder la experimentación (y que nos recuerda al sonido taciturno de los Alemanes Einstürzende Neubauten), algunos remixes (Boxes of Armageddon) y otros tantos chiches que ya son marca registrada.
Como mencionamos antes, nada nuevo. A los fanáticos de los Residents resultara otro lindo disco, para los melómanos una interesante pieza musical y para los indiferentes, bueno, no cambiaran más de lo que siempre fueron.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Cuco versiona a Nick Drake

En un disco tributo a Nick Drake, Cuco saca a relucir su talento haciendo una versión de Pink Moon mucho mejor que la original (lo cual no era tan difícil de lograr en un principio, aunque eso no le resta méritos a la banda platense), la que tocarán en vivo.

De Garage presenta "Detrás del sol", el disco de versiones de Nick Drake

Participan: Tomás Vilche (La Patrulla Espacial)
Chico Ninguno
Tano Caccavo (Villelisa)
Valeria Laferrara (Lumilagro)
Juan Irio (Thes Siniestros)
Pablo Matías Vidal (Orquesta de Perros)
Koyi Kabutto
Cuco
Camión
Diegomartez
Reno
Antolín

viernes 18 de noviembre / 20 hs CC Islas Malvinas (19 y 51) entrada: $20 (con CD de regalo)

Producido y editado por De Garage, “Detrás del Sol” es un disco de versiones del músico inglés Nick Drake. Convocados por este medio, un grupo de artistas locales revisaron su discografía para recrear e interpretar las canciones del mítico cantautor, dándole forma a una obra original en donde -a casi cuarenta años de su muerte-, su prosa instrospectiva, su figura enigmática y su profunda melancolía, siguen vivas de algún modo.

www.degarage.com.ar

Read More

Review: Taura "El fin del color" (2011)

-Taura “El fin del color” (2011)
Taura duele, por supuesto. Taura se mete debajo de la piel y repta tocando los puntos más sensibles del alma, esos que arden con placentero malestar. Aquellos familiarizados con la propuesta musical, lírica y estética del cuarteto ya saben por dónde vienen los tiros. Algunos podrán ver esto como una repetición de esquemas y otros, simplemente, como el afianzamiento de una incuestionable identidad artística. Probablemente ambos tengan razón y el punto definitivo, como siempre, está en la calidad misma de las canciones. Allí es donde Taura triunfa una vez más. Claro, podemos destacar la riquísima labor de las seis cuerdas, la forma certera en que riffs, arreglos y texturas varias estimulan la imaginación hasta trasladarla por completo a su propio reino de visiones grises. Podemos señalar el empuje físico y contagioso de la base rítmica, esa movilidad orgánica que parte del estómago y termina sacudiendo cada articulación con su aplastante swing. Podemos también regodearnos en la infinita tristeza de las líneas vocales y maravillarnos una vez más por esa síntesis tan particular que logran entre preciosismo melódico y desgarro emocional. Y, ciertamente, cada una de esas excelencias interpretativas (sumemos en la enumeración a un sonido y presentación de nivel internacional) resultan imprescindibles a la hora de embellecer el sólido núcleo que son las canciones pero, de ninguna manera, se ponen por delante de éstas. Aquí hay pesadez, sí, pero esto tiene que ver más con las emociones que evocan las composiciones que con meras cuestiones estilísticas o formales. Aquí hay un elevado vuelo creativo pero más atento a la sensibilidad que a los guiños intelectualoides. Y, sí, aquí hay también torrentes de melodía y ni un mero atisbo de superficialidad o pasatismo. Es que, como ya señalé, Taura ya es una entidad propia, alejada con gracia y naturalidad de rótulos fáciles y lugares comunes. Una entidad que privilegia la sustancia, el contenido por sobre las formas, aún sin descuidar éstas últimas. Y eso sólo ya debería ser motivo suficiente para tenerlos en cuenta.

Read More

Review: Bologna Violenta "Il nuovissimo mondo" (2011)

-Bologna Violenta "Il nuovissimo mondo" (2011)
Nicola Manzan es un muchacho como cualquier otro. Trabaja, paga las facturas y es la mente maestra detrás de Bologna Violenta. Ya desde el nombre del proyecto (algo así como mortadela violenta en nuestra lengua) entendemos que no se van para el lado más intelectual del asunto. Sumemos a que tienen colgado sus dos discos (este y un también recomendable homónimo de este año) en la pagina del sello Grindcore Karaoke para escuchar de forma gratuita desde Bandcamp y bajarlo sin culpa, lo que nos da algo de idea hacia donde va la cosa. SI hay una forma de etiquetar la propuesta de este habitante de la bota mesopotámica, estaríamos hablamos claro de Cybergrind. Pero no de aquel sonido que proponen grupos como Libido Airbag o Gut donde ritmos de Drum and bass son acompañados de machaque saltarines y voces ultra podridas, sino más del lado de Agoraphobic Nosebleed y con eso no digo nada. Podría mencionar a Genghis Tron y su delirante formula casi sacada de un pesadillesco juego de ocho bits de otra dimensión, a the locust y su Noseicore anfetamínico, de Atomsmasher, el proyecto donde James Plotkin (Ya deberían saber quien es a esta altura) descarga su propia visión de como romper las barreras entre la electrónica y el grindcore con resultados sumamente perturbadores, y eso en buena medida nos ayudaría a acercarnos a lo que hace este compatriota del buen Silvio Berlusconi. Acompañado de su novia, la bella Nunzia Tamburrano, en base a samples (todos en su lengua patria y de variados colores, lo que da un toque sumamente provocador), intervenciones ocasionales de un violín y una guitarra, con la cual construye composiciones tanto caóticas, como otras más organizadas, llegando a coquetear con la música clásica (sin buscar acercarse a la masturbación instrumental de cierto sueco que todos conocemos por suerte). La batería electrónica sigue desde los preceptos del Drum and Bass hasta los blast beats más vertiginosos, acoplando perfectamente a la vorágine digital, los samples que por momentos dan tiempo de relajo y otros que chocan con esos riffs violentos totalmente traspasados por sonidos, ruidos y delirios de toda índole (como si sacáramos el audio de un vhs gastado de Napalm Death con sus cortes y fallas producto del gasto del tiempo), y llega aquel momento de relajo en Blue Song donde a mitad del disco el buen Nicola demuestra sus talentos con el violín, para volver todo a la mierda otra vez. No es el material más serio ni lo intenta, pero no debería importar a quienes les gusta pasar un buen rato delirando con algo de buena música, con todo el humor y con el sello de aprobación de J. Randall. Per godere di questa prelibatezza.

Review escrita por Mariano Lastiri

Read More

Asilo en vivo con ZAT y Calma

Read More

Tzara online

Mil gracias a:

Elementary Revolt
Me and Music Call it Insanity
Doom & Stoner Community
ArchivHate
White Like Heaven
RadioKultura "Noise ®'Us"
y obviamente a mis amigos de Gran Cuervo por haber escuchado, compartido y/o escrito sobre la música de Tzara. ¡Thanks a lot, merci beaucoup, mil gracias!

Read More

Distro Zannera

Ya podés conseguir discos de Zann's Music en el Círculo Felino, donde el gran Chokin te recibe con su característica buena onda y comparte con vos música, fanzines y discos. Dale andá.

Y como siempre, también están en: Las ferias de Caracol Rojo

Varsity Point

y pronto también en Modreg Records.

Read More

Review: TAIA "Simple III: El último chamán" (2011)

Por Mariano Lastiri.

-TAIA "Simple III: El último chamán" (2011)
La rebelión. Romper aquellos obstáculos. Dar un paso al costado a la indiferencia. La angustia transformada en energía en contra del conformismo. Hacer lo que otros no quieren en pos del bien común. Soportar las miradas de odio y la megalomanía. Apretar los dientes hasta que te estallen las encías. Chascar los dedos hasta que se te claven las uñas. Poner a la naturaleza sobre la artificialidad. Buscar los medios para perfeccionarse ante el vacío existencial. Cortar los lazos que te unen a la desdicha. El Screamo ha logrado instalarse finalmente en nuestras pampas y no es de extrañar la calidad de producciones de bandas como Ostende, Murallas, Arboles en Llamas, La Última Canción del Mundo, Escupen Serpientes y Taia. Para estos últimos podemos decir que los marca algo que varios de sus compañeras de escena no poseen (sin ser un demerito de sus trabajos): La personalidad. Ya desde sus anteriores trabajos, los interesantes "Simple I y II" y "Magnetofonic Sessions", la banda buscaba despegarse de la típica formula de Screamo in your face de popes como Pg 99 y Orchid o del costado más Post-rockero a cargo de bandas como Envy, City of caterpillar o Gantz (para poner ejemplos), haciendo uso de samples y instrumentos tan particulares como el Didgeridoo, derbake y Pincuyo, que le daban un toque más atmosférico y progresivo al asunto, aunque por momentos podían jugarles en contra en cuanto al equilibrio entre la violencia y los momentos introspectivos que suelen tener este tipo de bandas. Con el cambio de baterista, "El último Chamán", equilibra mejor el sonido de la banda logrando un trabajo en algunos aspectos más maduro y en otros, diferente a lo escuchado en sus otros discos. Eso no quiere decir que ese aspecto atmosférico que los distingue del resto de sus pares e incluso de referencias extranjeras, no siga latente, sino que han dejado algo de lado esa sobrecarga ambiental que los caracterizaba por rebajes más psicodélicos (si hay una forma de describirlos) que se logran amalgamar a los más catárticos. Las guitarras siguen dibujando arpegios tan bellos como riffs brutales (para los estándar del genero claro), las voces gritonas que no temen variar a momentos más angustiantes con líricas de una poética tan simple como inteligente, la batería trasmitiendo con cada golpe un triunfo a la inconformidad y los climas son casi un descanso en este viaje de promesas incumplidas en el calamitoso mundo que vivimos. Si sentís lo mismo, podes escucharlo y bajarlo en taiasimple3.bandcamp.com/album/el-ultimo-chaman-simple-3. Si no, el mundo no cambiará de todas formas.

Read More

Review: IconAclass "For the ones" (2011)

Por Mariano Lastiri.

-IconAclass "For the ones" (2011)
Hablar de vanguardia o al menos de propuestas imaginativas en el Hip Hop es al menos complicado. No porque el Hip Hop no pueda escapar a los estamentos tradicionales (si popes fundacionales como Afrikaa Bambaataa o los Bestie Boys siempre buscaron romper barreras incluso en el cabecismo barriobajero del genero), sino por esa suerte de conservadurismo que solo ayudó a imponer el imaginario más frivolero del genero, el de las cadenas, la actitud gangster (en cierto modo relacionado al ámbito que vivían muchos de los popes) y las típicas bases entre el R&B, el Soul una que otra vuelta no demasiado relevante. Aún así, el Hip Hop más under nos entrego interesantes proyectos como Anti-Pop Consortium, El-P, Xrin Arms, The Disposable Heroes of Hiphoprisy (antes conocidos por The Beatnings) y por supuesto, Dälek. Estos últimos, comandados por MC Dälek (Will Brooks para los mortales) y Dj Oktopus daban rienda suelta a su amor por el Rap, como también a las imágenes deformes post Industriales de Godflesh y en cierto modo, al ruido embotador y preciosista de My Bloody Valentine, y líricas punzantes que no entran en los típicos barriobajeros, sino de alto contenido político. Iconaclass es uno de los proyectos paralelos de Will Brooks y a diferencia de Dälek, podemos decir que toma aquel aspecto más relacionado con el costado atmosférico que hacen a su banda principal. Si hablamos estrictamente, las bases tipicas del Hip Hop estan presentes, los impresindibles screatching del Dj, alguna base o sonido que no desentonaría en un disco de Public Enemy o NWA. Sin embargo, también hay espacio para momentos más suburbanos y oscuros , aquel sonido vintage típico de los discos de pasta que no se aleja de lo visto por Portishead, sin ese clima de Voudeville sombrío de los ingleses y ritmos electrónicos descontracturantes que buscan poner groove donde nunca lo habrá. Si hay una definición correcta sería la de un Dälek sin aquellos climas de Apocalipsis suburbano y si con el costado más ambiental y discordante del mismo. Está claro que al que no le guste mínimamente el Hip Hop lo odiará, pero al que disfrute la música más allá de las categorizaciones y de los típicos estereotipos de siempre, tendrá un plato ameno con que pasar el rato y mover la patita, pero sin Mtv y morenos patoteros que te molesten. La decisión es tuya.

Read More

Review: Will Haven "Voir Dire" (2011)

Por Mariano Lastiri.

-Will Haven "Voir Dire" (2011)
Tras el hiato de la banda en 2002, en parte gracias al alejamiento de su vocalista Grady Avenell, el regreso en 2005 con un disco sin este (el portentoso "The hierophant" de 2007, a cargo de Jeff Jaworski de Red Tape), Will haven seguía marcando los ingredientes que daban marcada cuenta de su identidad, con una que otra variación, pero sin perder la energía y la imaginación. Con Avenell de nuevo detrás del micrófono (y la incorporación de Chris Fehn de Slipknot en el bajo), "Voir Dire" no solo se perfila como otra gran pieza dentro del prontuario de los californianos, sino tal vez de sus mejores trabajos desde aquel "El diablo" de 1997. Claro que no hablamos de un giro de timón tan radical, pero nos encontramos ante un disco que combina ideas que potencian aquel sentimiento opresivo, extremo y bastante original, apiñados de manera excepcional. Seguimos hablando de esas atmósferas corrosiva noiseras, de esos riffs entre el Hardcore y el Metal, de esos rebajes cercanos a sus camaradas de Deftones (y porque no, a popes del Post-Hardcore como Quicksand y Helmet, que tuvieron importante influencia en la banda de Chino Moreno), de las disonancias, de un vocalista gritón que a pesar de sus limitaciones, deja hasta su garganta desgarrada en el micrófono, de canciones opresivas con aires apocalípticos. Pero para este disco, nos encontramos con momentos ambientales de impronta casi Post-rockera (casi alusivos al Neurosis más emocional), como con "Held to answer", tema que abre la placa. Aún así, no se olvidan su identidad y sin importarles las consecuencias sacan de la galera "When the walls clone in", con todos los condimentos del Will Haven que todos conocemos. Como si fuera poco se animan a riffs que pondrían envidioso a Fredrick Thordental, como en "Urban Agoge" o "The siege", sin olvidar los buenos medios tiempos cargados de maldad disonante. "A beatiful Death" nos muestra que solo se necesita una buena atmósfera y una voz para anunciar que se acaba el mundo. "Lives Left to wither" nos lanza a un espiral angustiante y no nos quiere dejar salir. Es imposible y solo la tormenta precede a la calma. Pero eso es poco El clima entre apesadumbrado, oscuro y brutal no se detiene a lo largo de los 10 temas que posee el disco y ya del vamos, uno se pregunta si no se acabó el mundo para volver a poner el play. Llamenlo Noisecore, Hardcore, New Metal o lo que quieran. Lo que si es seguro es que esta entre los mejores disco de este 2011 y eso no es poco.

Read More

Cuco en vivo en Buenos Aires

Read More

Festival ¡Salgan al Sol!

música en vivo + expo + feria + mural + comidas + teatro + proyecciones + intervenciones + birra barata en Casa Bosque... REVIENTEEEEEEN!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
Para mas info contactarse a caracolrojodiscos @ gmail . com

Read More

Tzara - Second Hand Thoughts CD

Para todo aquel interesado en tener la copia física de Second Hand Thoughts, puede contactarse a la dirección indicada en Contact from Beyond.

Read More

Review: Seven Daily Sins “Say Yes to Discomfort” (2011)

Por Manuel Platino.

-Seven Daily Sins “Say Yes to Discomfort” (2011)
Los siete pecados diarios, uno para cada día de la semana, es lo que nos propone este combo franco/bielorruso de death metal técnico. Say Yes to Discomfort (el cual, dicho sea de paso, puede ser descargado en la página de la banda) patea con 8 canciones que perfectamente dibujan los siete pecados diarios a los que alude el cuarteto: 1) La destreza técnica, directamente salida de aquellos clásicos de Atheist de principios de los 90´s. 2) Los pasajes atmosféricos que remiten directamente a las composiciones de Pestilence de mediados de los 90´s. 3) Los riffs angulares y disonantes del death metal y el grindcore moderno, léase Antigama y Ulcerate. 4) Pasajes ultra low-end e hiperquinéticos típicos del hyperblast que hiciera famoso Cryptopsy. 5) Gran cantidad de riffs y melodías gancheras, rebajes de medio y/o bajo tempo, como para mover la patita de vez en cuando y descansar las neuronas, brindando equilibrio entre pasajes cerebrales ultra técnicos y pasajes gancheros. 6) Un buen equilibrio entre los solos de guitarra jazzeros al mejor estilo Cynic y los solos de guitarra con gran carga emocional, que también remiten a aquellos clásicos de Florida. 7) Y por último y no menos importante, una buena dosis de riffs entrecortados y percusivos al mejor estilo Messhuggah.
Bueno, veamos. Creo que esta receta cuenta con todos los ingredientes para un disco ganador. Tenemos un buen equilibrio entre elementos del death metal técnico clásico y del death metal técnico contemporáneo. Pero claro, el talento de estos jóvenes músicos no reside en la elección de los ingredientes sino en el proceso de cocción en sí. El buen cocinero del metal debe saber reconocer y abrazar sus influencias, pero también debe poder moldearlas y lograr un plato con identidad propia. Y es aquí donde debemos reconocer la principal virtud de Seven Daily Sins: no nos importa que sean excelentes ejecutores de sus instrumentos (está bien, es un requisito indispensable para este tipo de música) ni que hayan aprendido de los mejores exponentes del género (eso demuestra que tienen buen gusto); nos importa que el producto final sea lo suficientemente interesante e inventivo para que mantenga su identidad propia. Y si a esto le sumamos un producción clara que permite escuchar con lujo de detalles los juegos de platillos, las disonancias de las guitarras y los arreglos de bajo sin tener que esforzar la atención, aquí tenemos un ganador. Muchachos, el futuro es suyo.

Read More

Tzara - The path Most Travelled (Video)

Video del disco Second Hand Thoughts. Canción: The Path Most Travelled (escucharlo acá) Filmado por Victoria Reale, en el C.C. Omar Favero en La Plata, Argentina, durante el 26 de Noviembre del 2010. Editado por Manuel Platino.

Read More

A.L.I. y Lima en vivo en Buenos Aires

Viernes 21 de Octubre – 21 hs ultrapuntual
Centro Cultural Adan Buenos Ayres
Altura Eva Perón 1400 o Asamblea 1200 - Parque Chacabuco
Bajo la Autopista 25 de mayo
Entrada Libre y Gratuita
Las entradas se retiran una hora antes de cada función
Cupos Limitados

Nuevamente LIMA & ALI se presentarán juntos en vivo, esta vez ofreciendo su nueva experiencia multimedia: ELEFANTESIS.
En este nuevo espectáculo, LIMA sorprenderá con el estreno de un material acústico – junto con un dúo de percusionistas – y todo el vigor, la vitalidad y la intensidad de su poderoso y crudo sonido eléctrico, matizado con poemas recitados y escritos por (el poeta) Norberto Rivera y (el poeta, locutor y periodista) Daniel Ballester. Por su parte, ALI estará musicalizando en vivo algunos videos, mientras Vj Dulce enredará toda la experiencia con la proyección de hipnóticas imágenes.

ELEFANTESIS no solo es un recorrido por un conjunto de canciones, recitados y videos: es una entidad única, exclusiva y particular, que permite descubrir múltiples lecturas, experiencias y sensaciones, ya que genera un clima íntimo y personal, en donde el espacio oscuro de la butaca permite el tránsito transformador de quien se deje seducir.

Es importante aclarar que ELEFANTESIS – además de contar en la previa con el Inicio, la promesa del rap – es la primer presentación que LIMA realiza tras la grabación de su segundo disco independiente “Encuentro con el Poeta” – el que puede ser descargado gratuitamente en el link que se encuentra mas abajo y que será regalando al finalizar el show - el que fuera registrado en vivo en el Colon Records, tras la presentación en el Centro Cultural Marcó del Pont del espectáculo “Pase y acérquese al fogón (que es de noche y hace frío)”, en el que la poesía, la actuación y la música se fusionaron en un todo inescindible.

Para contactarte con Lima:

www.lima2.tk
lima.fusion.rock @ gmail.com
lima.fusion.rock @ hotmail.com
Facebook: Lima Banda de Rock
http://www.myspace.com/limafusionrock

Para contactarte con ALI:

http://www.alimusic.tk/
asociacionlibredeideas @ yahoo.com.ar
asociacion.libre.de.ideas @ gmail.com
Facebook: Asociación Libre de Ideas
http://www.myspace.com/asociacionlibredeideas

Read More

Gran Cuervo en vivo en La Plata

Read More

Review: Steps "Idle" (2011)

 Por Fernando Suarez.

-Steps “Idle” (2011)
En la mayoría de los casos, hablar de originalidad en el Rock en general es un tanto complicado y suele ser una búsqueda, cuando menos, estéril y forzada. Soy de la opinión que la identidad musical no es algo que se busca, sino algo que sale de las entrañas y se plasma en la obra sin siquiera esperar la aprobación del ejecutante o el ser creador. Y, si hablamos de personalidad propia y entrañas, entonces tenemos un buen punto de partida para entender lo que expone Steps en este álbum debut. Tenemos que habar de Hardcore pero debemos entender el término en sus acepciones más amplias, las que van de Black Flag a Botch, pasando por Refused, Neurosis, Dead Kennedys, Converge, Fugazi, Defeater, Snapcase, His Hero Is Gone, Blacklisted o Catharsis, las que dejan de lado las poses acartonadas y los manuales de estilo y abrazan una real libertad creativa, las que abrazan tanto la intensidad descarnada como la inteligencia musical, las que hacen hervir la sangre con cada alarido al tiempo que estimulan la imaginación al máximo con deliciosos torrentes de inventiva. Claro, las bandas mencionadas pueden servir (en mayor o menor medida) como referentes aproximados, pero les puedo asegurar que el resultado final no suena como nada que hayan escuchado antes. Estos colombianos se las arreglan para sonar versátiles y sorpresivos sin perder nunca el eje pasional y rabioso de las composiciones, para golpear durísimo en los huesos sin olvidar que las buenas ideas no hacen más que incrementar la potencia y dotarla de necesaria profundidad, para confundirnos con sádicas disonancias y enrosques sin pasarse nunca de listos ni esconder sus emociones detrás de una muralla de sarcasmo o exageraciones poco naturales. No faltará quien note importantes cuotas de Noise-Rock en ciertos riffs, ciertos ritmos, ciertos climas y hasta en la putrefacta distorsión del bajo. No faltará quien prefiera utilizar el término Post-Hardcore, aún cuando las voces gritadas y los momentos más acelerados tal vez no calcen del todo en dicha categoría. El hecho de que en estos nueve temas puedan convivir sin problemas elementos de sub-géneros diferentes, siempre puestos en función de realzar la energía de las canciones y su poderío emocional (y hablo de una vasta gama de emociones), y ayudando a conformar el estilo propio del cuarteto, nos habla de una calidad que no merece quedar restringida dentro de ningún ghetto estilístico. Si bien me resulta frustrante sentir que mis palabras no son suficientes para describir las sensaciones y los estímulos que este maravilloso “Idle” genera dentro mío, no puedo más que insistir para que le den (al menos) una oportunidad. Una de las más gratas revelaciones del año.

Read More

Review: Failure "Magnified" (1994)

 Por Fernando Suarez.

-Failure “Magnified” (1994)
¿Quieren saber por qué “Magnified” es una de las gemas ocultas (bueno, más o menos ocultas. A la manera de un “Spiderland”. O un “The shape of Punk to come”, por ejemplo) más preciosas, enriquecedoras y, sencillamente, adictivas de los noventas? Bueno, claro, en primer lugar (y sin que esto se transforme en una especie de absurdo Boca Vs. River, por favor) por sus canciones. Por esas diez piezas de absoluta perfección Rockera que la componen, por esas melodías que parecen moverse con vida propia y mutar su apariencia y densidad a voluntad, por esa fluidez dinámica que no se traduce meramente en trucos de volumen o burdas nociones de épica para cavernícolas metaleros sin demasiada preparación ni inventiva, por ese gancho que, no por inmediato y absolutamente irresistible, resigna su identidad distintiva y su carácter eternamente complicado y poco conformista, por esa emotividad esquiva e hiriente, que da pinchazos en la mente al tiempo que estruja las entrañas y el alma. Porque Ken Andrews y Greg Edwards (únicos miembros del grupo en momentos de grabar esta placa, con excepción del baterista John Dargahi que colabora en algunos temas) tenían objetivos claros y los medios (creativos e intelectuales) para llevarlos a la práctica de forma impecable y sumamente conmovedora. Allí entran también otras cuestiones que van más allá del núcleo mismo de las canciones. Como el detallista trabajo de texturas de las guitarras, sus arreglos angulares, intrincados, sutiles y armónicos al mismo tiempo, el swing inquieto y contagioso de la base rítmica, el empuje sanguíneo y contundente de las interpretaciones así como su impecable justeza, los climas envolventes y soñadores, las letras ambiguas y cargadas de cruda poesía descorazonada, los juegos vocales que hacen que nuestros pies se eleven unos centímetros por sobre el nivel del suelo, los arpegios y las melodías que se clavan como dagas en el corazón, los graves rugosos que revuelven el estómago, y esa persistente sensación de pesadez etérea que domina toda la placa y constituye uno de sus principales atractivos. Por supuesto, podemos trazar los esperables paralelos con contemporáneos de similar sensibilidad artística y sonora como Hum, Shiner (y su secuela en The Life And Times) o Castor, así como con el Cave In (chequeen la versión que los bostonianos realizan del tema que da nombre al disco que nos ocupa, en su ep “Creative eclipses” de 1999) más melódico y accesible, o mencionar sus conexiones (y las loas que Failure a recibido por su parte) con nombres de mayor popularidad como Tool, Queens Of The Stone Age y A Perfect Circle. Podemos, si no, hablar de una cruza entre el nervio emotivo y nerd al mismo tiempo del Post-Hardcore, la expansión alucinógena del Space-Rock, la dulzura melódica del Pop, el riffeo nublado y mugriento del Grunge, las vueltas inesperadas y el sadismo controlado del Rock Progresivo más guitarrero, unos bajos distorsionados que no hubieran desentonado en los exponentes menos amables del Noise-Rock de Chicago (o de dónde fuera), y las delicadas arquitecturas de ruido aterciopelado del Shoegaze. En fin, lo único que realmente importa aquí, lo único que puede llegar a servir como respuesta a la pregunta planteada inicialmente en esta reseña, es que se presten en cuerpo, mente y alma, y sin distracciones, a la tarea de dejarse encantar por esta auténtica obra maestra.

Read More

Review: Helium "The magic city" (1997)

 Por Fernando Suarez.

-Helium “The magic city” (1997)
Colores pastel, unicornios, corazones, castillos, elfos, verdes praderas, arco iris, mandolinas, chamberlines (el precursor directo del mellotron), violines, trompetas, teclados añejos, mariposas, flores, estrellas, dragones y hasta alguna que otra melodía con aroma a feria medieval. ¿Es posible que, con todos esos elementos, estemos hablando de un grupo de Rock típicamente noventoso y con raíces Punks? Claro, si tenemos en cuenta que la vocalista, guitarrista y líder espiritual, Mary Timony, venía de tocar en Autoclave (probablemente el primer grupo de Math-Rock compuesto íntegramente por mujeres) y que el bajista Ash Bowie (novio de Timony en esos años) compartía su tiempo con los contracturados Math-rockers de Polvo, entonces ya no se hace tan extraña esa apropiación de las extravagancias más coloridas del Rock Progresivo dentro de un contexto de crudeza y desnudez emocional más afín al costado más Punky del Indie-Rock. Más importante aún es el hecho de que Helium lograra aunar esos dos universos, en apariencia antagónicos, de forma natural y fluida, sin forzarse en pastiches poco elegantes o faltos de intensidad, y manteniendo (aún con su importante cuota de delirio instrumental) un profundo respeto por las canciones mismas. Es cierto que, más allá de las referencias setentosas debidamente tergiversadas, se podían hallar puntos en común con grupos como Sonic Youth (sobre todo en algunos enrosques guitarrísticos y el empleo de afinaciones no convencionales), The Breeders (cuando arreciaba la dulzura melódica más inmediata), Throwing Muses (cierto malicioso dramatismo romántico) o Shudder To Think (casualmente, Timony compartiría un muy recomendable proyecto con Nathan Larson, guitarrista de estos últimos, llamado Mind Science Of The Mind), pero la identidad del trío (que se completaba con la baterista Shawn King Devlin, ex integrante de Dumptruck, pioneros del Indie-Rock de mediados de los ochentas) brillaba con luz propia, en especial gracias a la personal voz de la bella Mary (poseedora de un timbre endiabladamente atractivo, por momentos similar al de Shirley Manson), a su excelencia en el dominio de las seis cuerdas y a su iluminada sensibilidad compositiva. Y es que la magia se hace presente aquí, en canciones que se disfrazan de vistosas fantasías pero esconden un corazón ardiente y cargado de emociones agridulces y contradictorias. Una auténtica pieza de arte, recomendable para todo aquel que aprecia la música, más allá de rótulos y épocas.

Read More