Entrevista exclusiva: Dysrhythmia

¡Sin voces, sin breakdowns, sin baile, sin diversión! Así se autodefinen nuestros entrevistados de hoy. En otro logro del equipo Zann conseguimos contactarnos con Kevin Hufnagel, guitarrista de Dysrhythmia. La banda presentó este año un nuevo disco, llamado "Psychic Maps", una obra que posiblemente integre el podio de lo mejor de este año en materia de música. Fernando ya lo contó en su super review que pueden gozar haciendo click aquí.

Dysrhythmia posiblemente tenga el estigma de ser una banda demasiado pesadita para los que disfrutan el jazz o el rock, y a su vez también son demasiado intrincados para el metalero convencional. Simplemente estos pibes no encajan en ningún lado. Pero conviene tratar de dejar esos inconvenientes de lado y tomarse el debido tiempo para masticar la propuesta de estos tipos, que ofrecen toda su pasión y mala onda en cantidad. Escucharlos es un ejercicio que los dejará agotados y sudorosos pero felices.Y si piensan que todo esto es un delirio de improvisación, Kevin ha confesado muchas veces que esta harto de que le pregunten si improvisa, porque en realidad si esto fuera cierto el considera que sería mejor improvisador que lo que és realmente. No señores, no hay lugar para el azar en esta banda, cada giro esta planeado con minuciosidad laboriosa y detallada. Es simplemente cuestión de darles una oportunidad.

El trío de Philadelphia comenzó con Kevin Hufnagel en guitarra y Clayton Ingerson en bajo, tras los cuales se uniría el baterista Jeff Eber. Su primer show lo dieron con Ruins y los grinders de Discordance Axis. Nuestros muchachos grabaron dos discos, "Contradiction" y "No Interference" tras lo cual vendría un punto crítico en su carrera, la llegada a Relapse. Sus trabajos lograron llamar la atención de los visionarios de Relapse Records en 2002 y tras el contrato grabaron "Pretest" con don Steve Albini en las consolas. "Pretest" fue una de sus obras más reconocidas por la crítica y el público, y también fue el boleto que les permitió embarcarse en un super tour con colosos como Mastodon, Cephalic Carnage y Burnt By The Sun. Se había acabado la época de tocar para los 5 borrachos de Philadelphia que los seguían de sus inicios, como declaran en su myspace. Dysrhythmia se había ganado el respeto de la gente y estaba en un lugar privilegiado entre los nerditos del metal y el jazz. Posteriormente Clayton abandonó la banda, pero esto no detuvo a Kevin y Cia. ya que reclutaron al talentoso Colin Marston para que ocupara el rol de aplastar a los oyentes con su poderoso bajo. Y así grabaron el ominoso "Barriers And Passages". Kevin y Colin se han ido afinanzando y tienen varios proyectos en común: la banda de drone Byla, y la renacida leyenda del death metal Gorguts. Kevin además logró armar su propio estudio en Queens, lo que les permite grabar todas sus ocurrencias y experimentar con mucha mayor facilidad, tanto con Dysrhythmia como con otros proyectos musicales que se irán enterando en la entrevista. Sin más los dejo con Kevin, que lo disfruten. ¡Hasta la próxima!

Dysrhythmia son: 
Kevin Hufnagel - Guitarra
Jeff Eber - Batería
Colin Marston - Bajo

Zann: Contanos sobre el nuevo disco de Dysrhythmia, "Psychic Maps". ¿Cuánto tiempo les lleva hacer  estas increíbles estructuras de sonido?

Kevin Hufnagel: El album fue escrito en un período de entre 3 y 4 años. Durante ese tiempo también trabajamos mucho en otros proyectos musicales y bandas, incluyendo Behold... The Arctopus (la banda principal de Colin Marston), Byla, Krallice, Zevious, Indricothere y yo además, hice un disco solista de guitarra.
Por lo general a nuestras canciones les toma un largo tiempo para ser escritas y llevarlas al punto donde estamos satisfechos. Tocamos las canciones un poco en vivo antes de grabarlas en estudio. Generalmente estamos muy preparados cuando caemos en el estudio y trabajamos rápido.

Zann: La música de Dysrhythmia es como un rompecabezas para la mente, y una vez completado se revelan algunos de los mas intrincados laberintos de la condición humana. ¿Qué podés contarnos sobre el proceso que los lleva a componer dichos rompecabezas?

KH:  En general nuestras canciones empiezan conmigo escribiendo las partes de guitarra primero y casi siempre en guitarra acústica. Una vez que las ideas se sienten sólidas y estan algo estructuradas toco para los pibes en los ensayos y de ahí construimos las partes de la percusión. Una vez que la batería se siente sólida grabamos la canción para Colin, así puede trabajar con las partes de bajo con su tiempo. Una vez que tiene algo compuesto continuamos trabajando en la canción en los ensayos, haciendo cambios sustanciales. Todo el proceso es muy colaborativo. Ahora tenemos la ventaja de contar con nuestro propio estudio de grabación así que típicamente grabamos la canción cuando pensamos que esta completa y la volvemos a escuchar para ver si pensamos que necesita algún cambio.

Zann: Su música es muy compleja, son músicos muy talentosos, pero a pesar de ello ustedes parecen mantener siempre una energía cruda y física, casi rozando al Punk. ¿Qué tan importante es para ustedes mantener esos elementos bien balanceados?

KH: Estoy feliz de escuchar que captan ese sentimiento de nuestra música. Yo pienso que es muy importante mantener esa crudeza intacta, y por supuesto tiene que haber una energía en ello. Muchas bandas van hacia un lado o hacia otro, pero mis artistas favoritos son los que balancean complejidad con un alma propia.

Zann: ¿Podrías contarnos sobre el origen del nombre de la banda? Leí en otras entrevistas que la gente tiende a no pronunciar el nombre de la banda correctamente a pesar de que la raíz de la palabra es simplemente ritmo (N.del E: "Rhythm" se pronunciaría algo así como ridm, con una r sonando muy suave. Por lo tanto, más o menos bien pronunciado sería algo así como Disridmia)

KH: Es simplemente una palabra que escuche decir a alguien en la tele un día, en la época que comenzaba la banda pero no teníamos un nombre todavía. Pense que sonaba copado y encajaba con el sonido de nuestra música. Es una verguenza, parece que nadie sabe como pronunciar la palabra "rhythm".

Zann: ¿Por qué pensas que Dysrhythmia fue relacionada a otras bandas como Mastodon, Cephalic Carnage o Dillinger Escape Plan siendo que su música es tan diferente de esas bandas, especialmente en la era de "Pretest"?

KH: Bueno, estabamos todos en el mismo sello en ese entonces deduzco que sería por ese motivo ¿no? Somos buenos amigos de todas esas bandas y tocamos muchos shows con ellos, especialmente en 2003 durante los tours de "Pretest".

Zann: Gente ustedes tienen un estilo de música poderosamente distintivo. ¿Cuáles fueron las influencias que se congregaron para llegar a ese estilo?

KH: Cada uno tiene sus propias influencias individuales y son muy variadas, por lo que cuando ponés todo eso junto obtenés algo interesante. Colin esta metido en un montón del black metal más oscuro y el metal extremo en general, Jeff viene de un entorno más jazzero y yo tengo un poco de todo. Es importante no dejar que estas influencias sean muy obvias o que se esparsan demasiado, pero últimamente cuando componemos una canción las cosas suceden naturalmente, no estamos pensando cosas como "ahora vamos a escribir una canción que suene como esta banda o aquella banda". En el único caso que compusimos una canción inspirada en una banda particular (nuestra canción "Iron Cathedral" fue inspirada inicialmente por la canción de Metal Church llamada "Merciless Onslaught") lo que pasó es que salió sonando muy distinto al fin y al cabo.

Zann: ¿Cómo modificó su música la incorporación de un virtuoso como Colin Marston?

KH: El fue el reemplazo perfecto cuando perdimos a Clayton, porque ya estaba familiarizado con nuestra música y tiene unas increíbles habilidades para componer y tocar. Trabajar con el nos permitió probar nuevas cosas que por ahí no estábamos listos para probar antes de su llegada. Definitivamente pienso que nuestra música se volvió más pesada y más intensa desde que entró y ese es un objetivo que mantuvimos disco tras disco desde que empezamos.

Zann: Colin y vos están en varios proyectos juntos, parece que son buenos amigos. Uno de estos proyectos es la legendaria banda de death metal Gorguts. ¿Cual es el estado de Gorguts en este momento? ¿Están planeando grabar un nuevo disco?

KH: En este momento estamos componiendo un nuevo larga duración con la mitad del disco ya completa. Deseo que entremos al estudio a finales del 2010. Ha sido realmente un placer trabajar con Luc Lemay. Gorguts fue una gran inspiración para Colin y yo en estos años. Haber logrado ingresar mi creatividad en esa banda es un sueño hecho realidad. Pienso que la gente se va a sorprender por el nuevo material. No es lo que la gente va a esperar. (N del. Ed: La nueva formación de Gorguts consta de Luc Lemay y Kevin Hufnagel en guitarras, Colin Marston en bajo y el monstruo de John Longstreth tras los parches. Un dream team del metal extremo).

Zann: Contame un poco sobre Byla, tu proyecto drone.

KH: Eso es algo que empezamos Colin y yo antes de que se uniera a Dysrhythmia. Es una salida a nuestros intereses en la música ambient. Las guitarras se utilizan como instrumento primario en Byla. Amo mucha de la música basada en atmósferas como Slowdive, Seefeel, The Cocteau Twins, This Mortal Coil y todas las cosas viejas de 4AD Records.

Zann: El disco colaborativo de Byla y Jarboe, "Viscera" me encantó. ¿Cómo es trabajar con ella?

KH: Trabajar con Jarboe fue fantástico. Otra vez, Colin y yo escuchabamos hace tiempo su trabajo así que fue un placer lograr grabar con ella. Recuerdo estar muy impresionado por su habilidad natural de escuchar nuestros tracks un par de veces y luego hacer cosas asombrosas con su voz en una sola toma... y como sabés esas canciones son de 10 o 15 minutos de duración. Cuando ella seguía sus voces en la tercera canción de "Viscera", esa que tiene voces podridas, para el final de la canción estaba en el piso vomitando en un balde. Fue una experiencia super intensa y pienso que realmente se transmitió todo en el disco.

Songs For The Disappeared es el nuevo disco de Kevin Hufnagel.

Zann: Kevin, tu nuevo disco "Songs For The Disappeared" es hermoso e intenso. En tus manos la guitarra acústica pareciera tener posibilidades ilimitadas. ¿Qué técnicas usaste para crear esas hermosas capas de sonido?

KH: Gracias por los cumplidos. Uso distintas técnicas de guitarra, algo así como "guitarras preparadas", que es cuando vos insertas un objeto en las mismas cuerdas cambiando su timbre y tono, y otorgandole un sonido más percusivo. En mi caso uso una lima para uñas. Me inspiré para probar esta técnica después de escuchar los trabajos para piano preparado del compositor clásico del siglo XX, John Cage. Pienso que todavía hay mucho para hacer con guitarras preparadas y voy a intentar explorar mucho más en futuros trabajos solistas. También hay algunas canciones más atmosféricas donde hago correr una guitarra acústica en un dispositivo de bucles Echoplex y después corro los tracks individuales a través de una pared de amplificadores de guitarra eléctrica, con micrófonos por toda la sala para lograr y capturar un enorme sonido angelical.

Zann: ¿Tenés algún otro proyecto?

KH: Nada que no se haya mencionado en la entrevista pero quien sabe lo que nos depara el año que viene.

Zann: Para terminar, si pudieras elegir algún cantante en el mundo (hombre o mujer, vivo o muerto) para Dysrhythmia, ¿a quién elegirías? 

KH: Dysrhythmia nunca trabajaría con un vocalista, pero si lo hicieramos elegiría a Scott Walker. Eso sí sería interesante.

Zann: Bueno este es el final de nuestra entrevista. Muchas gracias por tu amabilidad Kevin. ¿Tenes algo para decirle a tus fans y oyentes aquí en Argentina?

KH: Chequeen nuestro nuevo disco, "Psychic Maps". Va a haber un tour europeo para junio/julio de 2010. Esperamos poder tocar cerca o en su país. (N. del E: Argentina, la nueva potencia europea). ¡Gracias por el apoyo!

Para más información sobre Dysrhythmia pueden visitar: http://www.myspace.com/dysrhythmiaband

El myspace de Kevin Hufnagel con algunas canciones de sus discos solistas incluyendo las de "Songs For The Disappeared" es este: http://www.myspace.com/kevinhufnagel

Interview with Dysrhytmia

In a new effort of the Zann´s team here you have our interview with Kevin Hufnagel, mastermind of Dysrhythmia. ¡Enjoy it!

Zann: Tell me about Dysrhythmia´s new album, "Psychic Maps". How long has it taken you to create these incredible structures of sound?

Kevin Hufnagel: The album was written over a 3-4 year period. During that time we also worked on a lot of other musical projects and bands including Behold... the Arctopus, Byla, Krallice, Zevious, Indricothere, and I did a solo guitar record. In general our songs take a long time to write and get them to the point where we're satisfied. We play the songs live quite a bit before recording them as well. We're usually very prepared by the time we hit the studio, and work quickly.

Zann: Dysrhythmia’s music is like puzzles for the mind and, once they are completed, they reveal some of the most intricate labyrinths of the human condition. What can you tell me about the writing process for such puzzles?

KH: In general the songs begin with me writing the guitar parts first and almost always on acoustic guitar. Once the ideas feel solid and somewhat structured I play them to the other guys at rehearsal and from there we build the drum parts. Once those feel solid we record the song for Colin so he can work on his bass parts during his own time. Once he has something written we continue working on it at practice making subtle  changes along the way. The whole process is very collaborative. We have the advantage now of owning our  own recording studio, so typically we'll record a song when we think it's complete and listen back to it to see if we think it needs any changes.

Zann: Your music is very complex, you’re very talented musicians and yet you always seem to maintain some raw, physical, almost Punk energy. How important is it for you guys to keep those elements well balanced?

KH: I'm happy to hear you get that feeling from our music. I think it's very important to keep that rawness intact, and of course it has to have an energy to it. So many bands either go one way or the other, but my  favorite artists are the ones that balance complexity with soul.

Zann: Can you tell me about the origin of the band´s name? I´ve read in other interviews that people tend not to spell it correctly even when its root is just the word "Rhythm".

KH: It's just a word I heard someone say on the TV one day right around the time we were beginning the band but didn't have a name yet. I thought it sounded cool and fit the sound of our music. It's a shame no one can seem to spell the word "rhythm".

Zann: Why do you think Dysrhythmia is related to other bands such as Cephalic Carnage, Mastodon or Dillinger Escape Plan when your music is so different from those bands, especially in the Pretest era?

KH: Well we were all on the same record label at one time, so I guess that's why? We're good friends with all those bands and have played many shows with them, especially back in 2003 during the "Pretest" tours.

Zann: Guys you have a powerfully distinctive style of music. Which are the influences that lead to that unique style?

KH: We each have our own different individual influences and they're quite varied, so when you put those together you get something interesting. Colin is into a lot of obscure black metal and extreme metal in general, Jeff comes from more of a jazz background, and I'm sort of all over the place. It's important not to let these influences be too obvious or scattered though, but ultimately when we're writing a song things are just happening naturally, we're not thinking "now we're gonna write a song that sounds like this band or that band". In the one case that we did write a song inspired by a particular band (our song "Iron Cathedral" was initially inspired by the Metal Church song "Merciless Onslaught"), it usually comes out sounding nothing like them in the end anyway.

Zann: How did the incorporation of a virtuoso like Colin Marston changed your music?

KH: He was the perfect replacement for when we lost Clayton because he was already familiar with our music and had incredible writing and playing skills. Working with him has allowed us to try new things maybe we weren't ready to try yet back then. I definitely think our music has become heavier and more intense since  he's joined and that's a goal we've held since the beginning from album to album anyway.

Zann: You and Colin are in some projects together, it seems you are good mates. One of them is the legendary Death Metal band Gorguts. What is the actual status of Gorguts? Are you planning to release a new record?

KH: Right now we are writing a new full length with about half an album already written. I'm hoping we'll get into the studio by the end of 2010. It's been a real pleasure to work with Luc Lemay. Gorguts were a big inspiration to myself and Colin over the years. To get to have creative input in that band is a dream come true. I think people will be surprised by the material. It's not what people are going to expect.

Zann: Tell me a little about Byla, your drone project.

KH: That is something Colin and I started before he joined Dysrhythmia. It's an outlet for our ambient music interests. Guitars are used as the primary instrument for Byla. I love a lot of atmospheric-based music like Slowdive, Seefeel, The Cocteau Twins, This Mortal Coil and all the old 4AD Records stuff.

Zann: The collaboration album of Byla and Jarboe, "Viscera" amazed me, how is it to work with her?

KH: Working with Jarboe was fantastic. Again, Colin and I were long-time listeners of her work so it was a pleasure to get to collaborate with her. I remember being very impressed with her natural ability to listen to our tracks a few times and then just do amazing things with her voice in one take.. and as you know some of those songs are 10 to 15 minutes long. When she tracked her vocals for the 3rd song on "Viscera" the one with the growling vocals, she was on the floor and spitting into a bucket by the end of the song. It was super
intense and it really came across on the record too I think.

Zann: Kevin, your new solo album, "Songs For The Disappeared" is beauty and intensity. In your hands acoustic guitar possibilities seem endless. Which techniques have you used to create such beautiful layers of sounds?

KH: Thanks for the compliments. I used some different guitar techniques on there like "prepared guitar", which is when you insert an object into the strings themselves changing it's timbre and pitch and giving it a more percussive sound. In my case I used a nail file. I was originally inspired to try this technique after hearing 20th Century classical composer John Cage's works for prepared piano. I think there's still a lot more to be done with prepared guitar and I intend to explore it further on future solo releases. Also there are a few more atmospheric songs on there where I ran by acoustic guitar into an Echoplex looping device and then ran the individual tracks through a wall of electric guitar amps with mics placed all around the room to try and capture a huge angelic sound.

Zann: Do you have any other new projects in the works?

KH: Nothing that hasn't already been mentioned in this interview, but who knows what next year will bring.

Zann: Finally, if you could choose any singer in the world (male, female, dead or alive) to work with  Dysrhythmia, who would you pick?

KH: Dysrhythmia will never work with a vocalist, but if we did I'd choose Scott Walker. That would be interesting.

Zann: Well, this is the end of the interview. Thank you very much for your kindness, Kevin. Do you have any words to your fans and listeners here in Argentina?

KH: Check out our new album "Psychic Maps". A European tour is in the works for June/July 2010. We hope we will be able to play near or in your country. Thanks for the support!

For more info on Dysrhythmia: http://www.myspace.com/dysrhythmiaband

Check out Kevin Hufnagel´s myspace: http://www.myspace.com/kevinhufnagel

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Asociación Libre de Ideas y Lima, live in Buenos Aires (Reloaded)

ALI vuelve a la carga con el show truncado del pasado mes junto a Lima, en el Centro Cultural Adán buenosayres (Av. Asamblea 1200 o Av. Eva Perón 1400, bajo autopista, Parque Chacabuco, Buenos Aires) el Viernes 13 de Noviembre a las 20:30, presentando la musicalización en vivo del corto Elephant's Dream:

Para mas info hacer click aquí o aquí

Y para no perderse, chequear el mapa:

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Reviews

Por Fernando Suarez.


-Crain “Speed” (1992)
Muchas veces, en pos de resaltar el costado político o ideológico (un costado digno de ser destacado, vale aclarar) de un grupo como Fugazi, gran parte de la prensa musical olvida el tremendo peso que la música del cuarteto ejerció sobre sus congéneres. Tomen el caso de Crain, un grupo oriundo de la misma escena Math-Rockera de principios de los noventas que nos dio a luminarias como Slint o Rodan, pero en el que, sin embargo, la huella de los Washingtonianos es notable. La voz de Joey Mudd (que abandonaría el grupo al terminar la grabación de este disco y sería reemplazado por Jon Cook, su eterno líder) guarda más de un parecido con las inflexiones primitivas y declamatorias de Ian MacKaye y, ciertamente, el costado más melódico de las guitarras y hasta algunos coros llevan la estampa emotiva e intelectual de ese Post-Hardcore en el corazón. Pero, claro, eso no es todo. Viniendo de semejante escena y contando con el gran Steve Albini tras las perillas, es lógico que también encontremos guitarras abrasivas y disonantes, ritmos angulares y contracturados y bajos casi Jazzeros envueltos en una maraña de energía cruda heredada del Hardcore/Punk. De hecho, si prestan atención a la fecha de edición de este álbum, notarán cómo el sonido de Crain resultó ser una gran influencia en gran parte del Math-Rock, el Noise-Rock y el Post-Hardcore que vendría después. Sin ir más lejos, el mismísimo Albini tomó nota de algunas pautas rítmicas a la hora de concebir sus geniales Shellac y cualquiera que haya pasado algo de tiempo escuchando bandas como Drive Like Jehu, Jawbox, Helmet o June Of 44 (por sólo mencionar algunas) podrá reconocer sin problemas las similitudes con este afiebrado “Speed”. Más allá de todo eso, lo que realmente pesa son, claro que sí, las canciones. Y allí Crain no falla. Un sentido de la dinámica agudísimo, guitarras que estallan en todas las direcciones pero dan siempre en el blanco, una base rítmica tan intrincada como brutal (me refiero a brutal en serio, no a la pantomima infantiloide del Brutal Death Metal, sea lo qué sea eso) y un trabajo de voces sumamente crudo y violento, aún con sus amagues melódicos. Un soberbio sentido del equilibrio entre el nerdismo más sesudo y la pasión más urgente y visceral, y otro de esos ocultos testamentos del mejor espíritu noventoso.


-Chemlab “East side militia” (1996)
Con su disco debut, “Burn out at the hydrongen bar” (1993), Chemlab había logrado una casi perfecta fusión de Música Industrial dentro de estructuras típicamente rockeras y con estribillos sumamente pegadizos, marcando así el camino que luego recorrerían grupos como Stabbing Westward, Filter, Marilyn Manson, Nine Inch Nails e inclusive el KMFDM más popero. En esta segunda entrega, dicha combinación se mantiene intacta pero es llevada a un nuevo nivel de imaginación y vuelo musical. Por un lado, el (por ese entonces) dúo reforzó todas sus facetas, las partes violentas suenan aún más violentas (por momentos cercanos al mejor Ministry) y las melodías ganan en gancho y profundidad. Por otro lado, la incorporación de ciertos toques de Funk deforme y perverso y el incremento en la variedad de ritmos y atmósferas, expanden notablemente la propuesta del grupo. Que, entre los músicos invitados, encontremos tanto a una cantante Pop (Sister Stella Soleil) como a un guitarrista (el luego fallecido William Tucker) que formó parte de bandas como Ministry, Pigface y My Life With The Thrill Kill Kult, ya nos habla de la amplitud de miras de este álbum. Pero el punto realmente determinante parece ser otra influencia, la del legendario Foetus. Tal como él hiciera desde principios de los ochentas, aquí Chemlab transforma una colección de canciones Rockeras/Industriales en una auténtica secuencia fílmica. Hasta se animan a sumar ciertas melodías que parecen sacadas de una serie televisiva de espías, sólo que aquí están trasladadas a un sombrío futuro cibernético. De hecho, el relato que propone la música de “East side militia” bien podría ser una cruza entre Blade Runner, Akira y algún policial negro, con el agregado de cierta decadencia junkie. Todo expuesto en canciones redondas que, no por eso, dejan de estar cuidadosamente construidas, plagadas de detalles, arreglos, texturas y sugestivos climas. Cada tema cuenta un capítulo en sí mismo pero la historia cierra del todo al escuchar el disco entero sin pausas. Por supuesto, estoy hablando de la parte estrictamente musical, nada hay en las letras que nos haga pensar en un concepto, más allá de ciertas temáticas (drogas, sexo, violencia) que se repiten a lo largo de la placa. Y aún así, el carácter más bien abstracto de las letras nos permite manipularlas a nuestro gusto para que encajen en la película que imaginamos al escuchar la música. “East side militia” es un trabajo de una madurez apabullante (algo que, seguramente, les jugó en contra en el aspecto comercial. En especial si tenemos en cuenta que, en ese mismo año, Marilyn Manson daba su salto de fama definitivo asustando amas de casa y trogloditas religiosos con su maquillaje de Halloween), diseñado con una especial atención al detalle pero sin perder nunca la frescura y el desparpajo necesarios. En definitiva, se trata de la banda que acuñó la gran frase “Fuck Art. Let’s Kill” (luego transformada en “Fuck Kill. Let’s Fuck”), con lo cual ese retorcido sentido del humor siempre está presente, de una forma u otra. Si pensaban que el Rock Industrial era incapaz de concebir buenas canciones sin transformarse en un mero pastiche para adolescentes conflictuados, he aquí una prueba definitiva de que tal cosa no es cierta.


-Human Waste Project “E-Lux” (1997)
Ah, el Nü-Metal. Una ojeada fugaz a cualquier video de Coal Chamber o Papa Roach y es fácil recordar por qué, hace tan sólo unos años, este era el género que todos amábamos odiar. Recién ahora, pasado algo de tiempo de la insoportable saturación de bandas, podemos recordar con sumo cariño discos como “Korn”, “Adrenaline” (sí, ya sé que “White pony” es mejor, pero para ese entonces los Deftones habían despegado del Nü-Metal), “System of a down”, “S.C.I.E.N.C.E.” e inclusive algunos más ignotos, como “Search for reason” de Kilgore, “Our time with you” de Relative Ash y esta maravilla que hoy nos ocupa. Human Waste Project fue una de las primeras bandas del género en poner al frente a una vocalista femenina, la blonda Aimee Echo, lo cual ya era un primer paso que los diferenciaba del marcado ímpetu misógino de bandas como Limp Bizkit o los mismos Korn. Ciertamente, la voz de Echo (sí, tiene nombre de producto de limpieza), con su tono entre perverso y delicado (por momentos suena como una versión enojada de Cyndi Lauper), con sus enroscadas melodías flotando en algún lugar entre la oscuridad del Post-Punk, la ensoñación Pop-Psicodélica y una rabia apenas contenida, cumplía un rol importantísimo a la hora de definir la identidad sonora del cuarteto. Pero eso no era todo. Ya la breve intro, “Graverobbers from Mars”, nos planteaba un clima entre juguetón y terrorífico, no muy común dentro del Nü. Inmediatamente después, “Disease” se movía entre riffs dignos del más rudo Hardcore neoyorquino, volados punteos disonantes y melodías tan gancheras como alejadas de cualquier tipo de facilismo o lugar común. A partir de ahí es posible notar que la sección instrumental del grupo contaba con ideas bastante más interesantes que las de sus pares genéricos. La base rítmica mantenía un groove firme y sólido pero que poco tenía que ver con el Hip-Hop o el Funk, acercándose más a las elucubraciones rítmicas de Helmet e inclusive a la versatilidad del Faith No More más rockero. Por su parte, el guitarrista Mike Tempesta (hermano del baterista John Tempesta, un conocido mercenario del Metal) sostenía las composiciones con una vasta gama de recursos manejados con una puntería soberbia. Texturas melódicas que rozaban el Shoegaze, trabados riffs Helmeteros, arreglos psicodélicos empapados de efectos, calculadas disonancias ruidosas, arranques de pura rabia Hardcore, exóticos acordes menores, suaves rasgueos sin distorsión, oscuras melodías casi Killingjokeras y hasta slides de aires Folkys se daban cita eludiendo elegantemente los clichés Nümetaleros y proponiendo pinturas musicales tan frescas como profundas. Las canciones mismas, aún con su importante cuota de oscuridad decadente y sus temáticas entre sufridas y confesionales, dejaban de lado los traumas y la pose adolescente en pos de reflejar un sufrimiento más real y maduro. Vamos, aquí no había lugar para exagerados histrionismos de supuesta psicosis, ni siquiera una intención de sonar todo el tiempo enojados o enfermos. Los notables porcentajes de melodías Poperas (en especial por parte de Echo) y voladura Psicodélica (en especial en las seis cuerdas), sumados al nervio Hardcore que se adivina en la base rítmica, se encargan de mantener a raya ese tipo de modismos que transformaron a gran parte del Nü-Metal en material absolutamente descartable y superficial. En fin, más allá de rótulos y asociaciones poco felices, “E-Lux” es un disco que, a doce años de su edición, se mantiene fresco, atractivo, honesto y sumamente personal. Y eso es mucho más de lo que pueden decir muchos.


-Pulkas “Greed” (1998)
Claro, ahora es fácil. Pregúntenle a cualquier banda de cualquier extracto metálico y seguramente reconocerán a Neurosis como influencia, de una forma u otra. Pero en 1998, en pleno auge del Nü-Metal y variantes similares, los seis colosos de Oakland no eran precisamente la referencia más cool para andar nombrando. Por una mera cuestión de época, estos inglesitos tenían que soportar comparaciones (provenientes hasta de su propio sello discográfico, Earache) con bandas como Deftones y Tool que, más allá de sus innegables logros artísticos, poco tenían que ver con su propuesta sonora. Por otro lado, una escucha a este único álbum del cuarteto y queda claro que la referencia a Neurosis tampoco era tan acertada. Sí, los tipos se envolvían en pasajes de oscura psicodelia y estallaban con atronadores guitarrazos y alaridos capaces de conmover al núcleo mismo de la tierra, pero su impronta cancionera, el groove hipnótico y los riffs Hardcore-Sabbatheros con los que adornaban sus canciones los acercaban más al sonido creado por otra leyenda británica, los siempre esquivos Fudge Tunnel. Y, si seguimos con las referencias, habría que mencionar que los momentos más melódicos del disco remiten inevitablemente al costado más oscuro y violento de Alice In Chains. ¿Entonces esto sería una cruza entre las atmósferas monolíticas de Neurosis, las melodías depresivas de Alice In Chains y el groove pegajoso de Fudge Tunnel? Más o menos. De alguna forma, Pulkas se las arreglaba para fundir esos elementos de forma personal, con riffs que suplían su falta de originalidad con toneladas de onda y un sonido compacto y aplastante, con un bajo que retumbaba y gruñia rellenando cada resquicio sonoro, con un baterista que privilegiaba la contundencia y el swing antes que el despliegue y un cantante que lograba moverse de forma convincente entre la calma tensa y las erupciones de pura violencia. Las canciones por lo general mantenían la típica estructura Grunge de comenzar tranquilos y explotar en el estribillo, aunque, claro, el manejo de dicha dinámica aquí se mostraba de forma mucho más extrema, permitiéndose incluso ciertos flirteos con el Noise (otro elemento de los arsenales Fudgetunnelianos y Neurosiescos) en forma de guitarras disonantes, acoples y texturas corrosivas. Hay, no obstante, un punto donde Pulkas hace honor a su marca generacional. Lejos de la sesuda intelectualización que invadió el Metal extremo en general (y las corrientes surgidas a partir de Neurosis en particular) en el cambio de siglo, “Greed” se concentra en obtener resultados inmediatos, pegando duro y dónde más duele y con un agudo sentido del gancho, tal como lo demuestran en bombazos como “Rubber room”, “This is it” o “Flesh”, por sólo citar algunos ejemplos. En fin, si estaban extrañando los tiempos en que el Metal podía ser extremo y al mismo tiempo hacernos mover la patita (bueno, no se preocupen, los noventas ya están volviendo), he aquí una más que saludable opción para despuntar el vicio.


-Onelinedrawing “Visitor” (2002)
Durante 1995, cuando todavía formaba parte de Far, el vocalista Jonah Matranga comenzó a realizar grabaciones caseras sin más pretensiones que hacerlas, casi como una terapia de relajación en contraste con el sonido duro y envolvente de su banda principal. Entre 1999 y 2000, tras la disolución de Far, Matranga (sí, el apellido da píe a numerosos chistes) decide editar dicho material, en forma de ep’s, bajo el nombre de Onelinedrawing. Al año siguiente, llegaron algunos ep’s más (inclusive un split con Rival Schools, la banda del ex Gorilla Biscuits y Quicksand, Walter Schreifels) y el cantante también formó New End Original (un anagrama de Onelinedrawing) con la intención de tener una banda completa para interpretar algunas de sus composiciones. Con este grupo editó “Thriller” y en 2002 tuvimos el larga duración debut de Onelinedrawing en la forma de este tremendamente emotivo “Visitor”. Aquí nuestro sensible muchacho se encarga por completo de la composición y la interpretación de los once temas que componen la placa. Por supuesto, se trata de canciones reposadas e intimistas, en su mayoría acústicas y provistas de melodías que apuntan directo al corazón. Y si aquel refrán que reza que una buena canción es aquella que se puede interpretar sólo con una guitarra pelada y aún así logra su cometido, entonces hay que admitir que estamos en presencia de canciones perfectas. Por momentos con aires de Pop melancólico, en otros más Folkys y siempre manteniendo esa sensibilidad Emo/Post-Hardcore de la que ya hacía gala en Far, Matranga logra conmover con elementos simples y despojados de artificios. Hay lugar para pianos, cuerdas, teclados y hasta alguna que otra batería programada, pero la figura central del disco es la voz del mismo Jonah, aquí liberada de las restricciones Rockeras de sus otros proyectos y moviéndose como pez en el agua en este contexto de desnudez emocional. Ciertamente, habrá momentos que recuerden a The New Amsterdams (justamente, aquel proyecto Indie-Folk liderado por Matthew Pryor, cantante de The Get Up Kids), algunos pasajes cercanos a los trabajos solistas de Stephen Brodsky (cantante de Cave In) y hasta ciertos guiños al Pop sofisticado de los discos más cancioneros de Jim O’Rourke, pero la personalidad de estas canciones es innegable. En 2004 vería la luz “The volunteers”, el segundo disco de Onelinedrawing, provisto de un sonido y una producción más pulidas. Ese mismo año, Matranga “disuelve” (¿cómo se disuelve un grupo compuesto por una sola persona?) Onelinedrawing y, tratando de alejarse de los estereotipos del Emo, decide editar sus próximos trabajos solistas bajo su propio nombre, adoptando un cariz mucho más cercano al Folk y el Country. Pero esa ya es otra historia. Si el término Emo tiene algún sentido como abreviación de la palabra emoción y no como mero rejunte de clichés adolescentes, entonces he aquí un perfecto disco de Emo. Si no, simplemente se trata de una excelente colección de canciones para disfrutar en soledad.

-Between The Buried And Me “The great misdirect” (2009)
Como suele suceder con aquellas bandas que tienen algún tipo de vocación experimental, la carrera de Between The Buried And Me está plagada de altibajos. Su debut homónimo planteó una promesa interesante que trataba de desmarcarse (aunque con éxito moderado) de los, ya por ese entonces, clichés más burdos del Metalcore. Su sucesor, “The silent circus” marcó un grado de madurez inesperado y se erigió como auténtica revelación con su caótica combinación de diversos géneros extremos (Death, Grindcore, Mathcore, Thrash) en clave de delirio Progresivo. Luego vino “Alaska”, donde profundizaron aún más en su eclecticismo, incorporando algunas ideas que les sentaban muy bien (toques de Bossa nova, ciertas melodías muy a la Faith No More) y otras (en especial modismos demasiado cercanos al Power-Metal) que no tanto. Adentrándose en el desastre absoluto, editaron un disco de covers (“The anatomy of”) con resultados sencillamente deplorables y, casi como para corregir el error, sobrevino el enmarañado “Colors”, devolviéndole la vida a la creatividad del quinteto. Siguiendo el planteo claramente Progresivo de dicho álbum, “The great misdirect” presenta seis canciones en poco menos de una hora, todas (con excepción de las reposadas “Mirrors” y “Desert of song”) plagadas de laberínticas idas y venidas. Por supuesto, la base del grupo sigue siendo el Metal extremo, con sus voces podridas, sus guitarras en llamas y sus ritmos taquicárdicos, pero eso no le impide adornarlo con una enorme gama de recursos y estilos. Guitarras acústicas, climas de Folk desértico, pianos a la Queen, riffs contracturados, sombríos valses dignos de un cabaret de los años cuarenta, espiraladas vueltas Jazzeras, guiños circenses al mejor estilo Mr. Bungle, melodías Pinkfloyderas, intrincadas digitaciones dignas del King Crimson más frenético, algo de Flamenco, teclados vintage para viajar por el espacio en blanco y negro, algún que otro punteo Maidenesco y hasta coros netamente poperos se dan cita (entre tantos otros miles de detalles) en estas composiciones. Lo interesante es que dicha esquizofrenia está enmarcada en composiciones que, si bien son absolutamente caóticas, resultan coherentes. Evidentemente, estos oriundos de North Carolina han perfeccionado su método para apiñar el incesante flujo de ideas inconexas en un todo donde cualquier cosa puede suceder (algunas de las combinaciones de géneros resultan realmente sorprendentes) pero todo tiene su explicación. O sea, no se trata de un mero zapping musical, si no de una compleja arquitectura compositiva que requiere un grado extra de concentración para no perderse ningún detalle y comprender, justamente, sus formas escondidas. Es un viaje agitado y hasta puede que, por momentos, les resulte chocante, pero les aseguro que vale la pena atravesarlo.


-Disturbance “Fencing” (2009)
No sé quiénes son. Ni siquiera sé cuántos son. No tienen sello discográfico y regalan, por vía digital (chequear en www.myspace.com/disturbance) este álbum debut. No citan influencias concretas ni dan más información que el hecho de ser provenientes (el plural es azaroso, bien puede tratarse de una sola persona) de Rusia. Y, en definitiva, nada de eso importa al momento de adentrarnos en este áspero “Fencing”. Una definición fácil sería decir que esto es Música Electrónica en su concepción más oscura y abrasiva. Bases del más frenético y afiebrado Drum & Bass golpean como martillos hidráulicos sobre erupciones de ruido oxidado, bruscas pausas dan lugar a visiones de violencia lisérgica infectadas por miles de señales sonoras subliminales, tenues resonancias se entrecruzan con choques metálicos, misteriosos ecos fantasmales sobrevuelan paisajes de absoluta aridez post-nuclear, fragmentos de música remachados sobre sórdidas estructuras para crear una cruza entre Frankenstein y Terminator. Claro, esta gente absorbió a la perfección las lecciones de popes Industriales como Skinny Puppy (en especial en lo que hace a ritmos frenéticos y climas narcóticos), el primer Laibach (en especial en lo que hace a orquestaciones macabras rozando lo épico y atravesadas por latigazos de disonancia) y Foetus (en especial en lo que hace a la utilización de samples deformes y estructuras impredecibles), pero eso sirve más bien como marco sonoro antes que como referencia directa. Las aproximaciones al Drum & Bass, el Ambient (siempre en tonalidades oscuras y violentas) y el tratamiento general del sonido y la composición guardan relación con artistas electrónicos de los noventas como Aphex Twin, Gridlock e inclusive The Future Sound Of London, sólo que aquí dichas texturas digitales se encuentran cubiertas de espesas capas de herrumbre y estática, trasladadas a un mundo de pesadillas post-nuclear. En todo caso, queda claro que la intención de Disturbance no es amenizar ninguna velada ni invitar despreocupadamente a las pistas de baile. Esto es música que raspa la piel, señales eléctricas dirigidas para achicharrar neuronas, un derroche de imaginación sádica que demuestra, una vez más, que la música hecha con máquinas puede resultar tan brutal como el más gutural de los Deathmetals. Bien podría compararse este material con algunos de los proyectos más volcados a la electrónica del buen Justin Broadrick, en especial con los primeros pasos de Techno Animal y Krackhead, pero de todas formas la personalidad y las ideas aquí desplegadas eximen a Disturbance del rótulo de copiones. Una auténtica, y más que recomendable, sorpresa.


-Fight Amp “Manners and praise” (2009)
Yo sé que esto no suena muy periodístico (por otro lado, yo no soy periodista, así que qué carajo importa), pero mi primer asociación mental con Fight Amp es una charla con un amigo que decía (refiriéndose a su disco anterior, “Hungry for nothing”) no saber si colocarlo en la carpeta de Noise, la de Sludge o la de Hardcore. Y sí, a veces la misma duda se descubre como la respuesta al interrogante. En efecto, la música de el ahora trío se mueve entre las tres premisas antes mencionadas. El sonido general no desentonaría junto a Eyehategod o Kylesa, con esa guitarra gorda y portentosa, ese bajo podrido que corta como serrucho oxidado y esa batería monolítica que se escucha como si estuviera siendo apaleada al lado nuestro. Por otro lado, el ritmo general de las canciones no se apoya en la lentitud, si no que mantiene un firme pulso rockero, acompañado por riffs que parecen sacados directamente del manual de Amphetamine Reptile, aquel legendario sello discográfico (ya difunto) de los noventas que albergó a luminarias como Melvins, Helmet y Unsane, entre tantos otros exponentes del costado más contundente del Noise-Rock. Y la mención de estas tres bandas no es gratuita. En el sonido de Fight Amp (en sus comienzos se hacían llamar Fight Amputation) es posible detectar claras referencias a ellos. Empezando con las voces de Mike McGinnis y Jon Dehart (guitarrista y bajista, respectivamente) que suenan como una cruza entre un King Buzzo menos histriónico y un Chris Spencer apenas contenido. En el terreno de las guitarras es donde mejor se perciben estas influencias, combinando la retorcida reinterpretación Sabbáthica de Melvins con las mugrientas disonancias de Unsane y el groove seco y entrecortado de Helmet. Las canciones mantienen estructuras simples y directas (a un promedio de tres minutos por tema), con el claro objetivo de patear nucas antes que de sumergirse en intrincados viajes sonoros. Y allí es donde reside el encanto de Fight Amp (y de este género en general), en utilizar elementos característicos de la vanguardia (el ruido, las disonancias, los ritmos trabados) en un contexto absolutamente salvaje, rockero, sudoroso y pendenciero. El corazón Hardcore de esta gente se hace evidente en la entrega cruda y visceral, en esa energía que nunca decae, en esa virulencia que, si no fuera por los demás elementos musicales, sonaría casi tosca y torpe. En ese sentido, el costado Noise-Rockero aporta no sólo la cuota (mínima y necesaria) de experimentación y vuelo creativo, si no también la soltura y el desenfado para salirse de las posturas rígidas del Hardcore y el Metal. No hay mucho más que agregar, no se trata de ninguna reinvención de nada, si no, simplemente, de otro grupo rescatando las voces más enfermas y enterradas de la década pasada, con los huevos y la impronta suficiente como para hacer frente a las comparaciones y salir airosos en el proceso.

-Jello Biafra & The Guantanamo School Of Medicine “The audacity of hype” (2009)
Todo comenzó cuando el gran Jello (inspirado por los festejos sexagenarios de Iggy Pop) decidió formar una banda estable para festejar sus cincuenta años de vida. Dicha formación incluía al guitarrista Ralph Spight (Victim’s Family), el baterista Jon Weiss (hermano de Andrew Weiss, el ex bajista de Ween y Rollins Band que se unirá a este combo para tocar en vivo como reemplazo momentáneo de la persona que nombraré a continuación) y el bajista Bill Gould, miembro fundador de los reformados Faith No More. A la hora de entrar al estudio deciden incorporar los talentos guitarrísticos de Kimo Ball (ex miembro de los deformes Möl Triffid) y, con él, se rebautizan como The Guantanamo School Of Medicine, abandonando el anterior mote de The Axis Of Merry Evildoers. “The audacity of hype” abre con “Terror of Tinytown”, un Punk a medio tiempo con guitarras como serruchos, arreglos que bordean el Surf (en la mejor tradición Dead Kennedys), texturas casi psicodélicas, ocasionales percusiones metálicas (no me refiero a Heavy Metal, si no a objetos metálicos utilizados con tales fines) y esa inmortal voz, histérica, histriónica y punzante transformando, como siempre, las meras palabras en lecciones. Le sigue “Clean as a thistle” y allí el espíritu de los Dead Kennedys brilla con cegadora intensidad. Esos riffs a la Dick Dale pasados por ácido, ese ritmo firme y movedizo, y esas melodías infecciosas nos retrotraen a los mejores momentos de “Fresh fruit for rotting vegetables” pero con las ventajas sonoras actuales. Y, sinceramente, resulta tan inspirador como refrescante que este tipo, después de tantos años, mantenga semejante grado de energía y lucidez. La cosa se acelera para “New feudalism”, un ritmo de puro Hardcore (que no hubiese desentonado en las aventuras de Jello junto a los canadienses D.O.A.) sobre el cual las guitarras se debaten entre carnosos riffs, volados punteos y desquiciados solos. El corte casi Jazzero a la mitad del tema sirve para que Biafra demuestre el absoluto manejo que posee de la dinámica y la intensidad y el repunte de velocidad del final nos deja sin aliento. ¿Quieren bailar y retorcerse como el mencionado Iggy Pop? Bien, ahí tienen a “Panic land” con toda su impronta Stoogera (bueno, también podría ser MC5, para qué negarlo) de puro Rock And Roll salvaje, sudoroso y frenético. Los Kennedys vuelven a decir presente en “Electronic plantation”, que bien podría considerarse como una reversión de aquel clásico “Holiday in Cambodia” pero con un mayor trabajo de texturas y contrapuntos por parte de las guitarras. Tras una sombría introducción, arranca “Three strikes” en clave de Punk acelerado y envuelto por una densa oscuridad. La parte intermedia de la canción retoma las penumbras de la intro, entre tenues percusiones y guitarras acuosas. Todo para volver a la carga con las fuerzas renovadas y las guitarras rasgando la piel con esos geniales riffs. “Strength through shopping” retoma la impronta Surf-demente con las guitarras sacándose chispas entre mugrientos riffs y enroscados punteos. El agregado de épicos solos y las mencionadas percusiones casi Industriales no hacen más que apuntalar el clima desesperante del tema, casi como si le dieran un marco actual a esa misma rabia de los Dead Kennedys. Y, hablando de ese grupo, ¿les gusta “Frankenchrist”? Bueno, a mí sí, y si ustedes comparten ese gusto, un tema como “Pets eat their master” (con sus subidas y bajadas de intensidad, sus guiños Jazzeros, sus arreglos disonantes y su clima hipnótico) debería deleitarles el paladar. Llega el final con “I won't give up”, un auténtico himno de conciencia revolucionaria que aglutina en sí mismo un Groove casi Hard-rockero, arreglos Country, riffs firuleteados y un estribillo ideal para corear con el puño en alto. Tras unos minutos de puro silencio digital (como dirían sus amigotes, los Melvins), nos topamos con un caótico y ruidoso bonus track que suena como si hubieran superpuesto todos los temas del disco en una única bola de confusión sónica. Noten que casi no hice mención a las letras, dado que, en el caso de Biafra, eso significaría por lo menos cinco páginas más de análisis y siempre es mejor que ustedes saquen sus propias conclusiones. Sólo basta decir que la mirada de Jello sigue siendo tan aguda, inteligente y punzante como siempre. No hay mucho más que agregar, el más grande activista del Punk vuelve al ruedo con una banda impecable y un disco capaz de competir con sus momentos más recordados. Sencillamente imprescindible.


-Mine[thorn] “Junk hive noir” (2009)
Entre principios y mediados de los noventas, bandas como Fear Factory, Red Harvest, Meathook Seed (aquel destacado proyecto con gente de Napalm Death y Obituary) y Strapping Young Lad, claramente inspirados por Godflesh, decidieron llevar esos climas de perdición Industrial a terrenos aún más metálicos, combinándolos con modismos típicos (machaques Thrashers, voces podridas, doble bombo Deathmetalero, algo de nihilista oscuridad Blackmetalera y hasta algún que otro blast-beat Grindcoroso) del Metal extremo en general. Casi como extraído de aquella época llega este álbum debut de Mine[thorn], luego de largas demoras causadas por fallas en el equipamiento. El grupo nació a principios de la presente década bajo el nombre de Minethorn (así, sin los corchetes) y practicando una suerte de Black/Death Metal todavía sin los elementos electrónicos incorporados. De hecho, de los primeros demos surgiría The Axis Of Perdition, quienes también irían volcándose a sonoridades Industriales con el tiempo. Bueno, como podrán imaginarse, esto es material pesado, extremo y recubierto de esa desazón mecánica tan propia del estilo. Los nueve temas que componen la placa suenan recargados, entre afiladísimas guitarras, bases rítmicas de una precisión inhumana, hipnóticos colchones de teclados y plagas de corrosivos samples infectando cada resquicio sonoro con sus crujidos. Claro, más allá de la constante presencia de texturas (y hasta algún que otro ritmo) electrónicas, lo que aquí predomina es el Metal. Los riffs machacan con fuerza, el doble bombo repiquetea incansable, las voces aportan una vasta gama de gruñidos (aunque en general imperan tonos rasposos, bien típicos del Metal de los noventas) y hasta se atreven a meter alguna que otra melodía inanimada a la Godflesh. Los ritmos cubren desde la densidad más agobiante hasta virulentas aceleradas, sin olvidar los machacantes medios tiempos que generan esa ominosa sensación de edificios derrumbándose sobre nuestras cabezas. En fin, no es lo más original del mundo (de hecho, en ese terreno pierden en comparación con su banda hermana, los mencionados Axis Of Perdition), pero está hecho con un nivel altísimo y profundo conocimiento de causa. Y, para quienes disfruten de esta especie de sub-género de Metal Industrial, he aquí una pieza digna de ponerse al tope de sus preferencias.

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Cruz de Sal y Gran Cuervo, Live in Buenos Aires

Este domingo 25/10, tocata al aire libre, junto a los amigos de Cruz de Sal.
a las 15 hs, en Parque Centenario, Avenida Patricias Argentinas al 200.

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Review del Mes: Killing Joke - The Courtauld Talks (1989)

Por Manuel Platino.

Primero vayamos a la descripción técnica. The Courtauld Talks fue una charla que dio Jaz Coleman junto a Geordie Walker y Jeff Scantlebury acompañando en guitarra y percusión en el Instituto Courtauld de Arte, el 19 de Septiembre de 1987. Para el que le da paja abrir el Google, el Instituto Courtauld es una escuela de arte de Londres, que alberga obras de pintores como Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Edouard Manet y hasta ha tenido el dudoso honor (bue, un deshonor digamos) de haber albergado a Hugh Grant como alumno antes de que se dedique a levantar prostitutas por la calle en lugar de darle murra a su superhot noviecita.

Data irrelevante de lado, podemos proceder a comentar algunos aspectos de este disco. El mismo consta de un track de un poco más de una hora de duración durante la cual el buen Coleman da un discurso en el que toca varios tópicos, entre ellos la concepción de Killing Joke, su idea del arte y algunas explicaciones esotéricas sobre la relación del mismo con el mundo (numerología, Crowley y Lovecraft de por medio incluidos), acompañado de fondo por Walker en guitarra acústica y Scantlebury en percusión, ambos músicos nunca tomando el rol principal durante la charla, la cual es guiada por Coleman en todo momento. Pero permítanme explayarme un poco en el tema sobre lo que cuenta el susodicho cantante de banda post-punk proto-industrial híper influyente.

"The man of truth is beyond good and evil. The man of truth is ridden to all is one. The man of truth has learned that illusion is the one reality and its substance is a great impostor." H. P. Lovecraft.

Throughout my forthcoming book, "An Irrational Domain", I work from the fundamental assumption that for the artist dreams and visions are a more authentic source of information than fact or reason. Now this hypothesis has steadily evolved to the extent that it is no longer merely a conviction but my perception of truth itself. Consequently, all activity derived from such foundations cannot coexist with any form of rationalist or intentive thought. The primary objective is to set everything in motion in the required direction. For example, existing concepts of time are only real if we accept and succumb to the boundaries and divisions laid down. I'm simply pointing out that we do of course have the option to ritually smash the clock up along with its corresponding restrictions and transform, extend, increase or decrease such boundaries, enabling us to achieve a greater freedom by changing our perspective of truth and reason. We may conclude that, if truth as we see it to be, can be rearranged to benefit us in any way, then this flexible truth is justified. The same would apply in the eradication of supposed historic fact.

Basado quizás en este concepto que plantea en un principio de que el uso de la razón para explicar la realidad puede ser dejado de lado, quizás sea posible entender cómo es que Coleman busca, indagando en argumentos esotéricos totalmente carentes de sentido y bordeando lo ridículo, explorar hechos concretos de nuestra vida diaria. Y no creamos que el tipo cae irremediablemente en la pelotudez, como es muy común en todo argumento metafísico/mágico/religioso. No señores/as, los conceptos planteados son tan lúcidos y concretos que uno se pregunta hasta qué punto Coleman está hablando realmente en serio y si esto no es un juego mental que él mismo arma con su audiencia. Es muy difícil saber sus intenciones, Coleman siempre se ha caracterizado por ser una persona extremadamente críptica, pero a su vez directa. Cualquiera que haya leído una letra o escuchado una canción de Killing Joke, se dará cuenta de que se trata el mensaje, al menos en una primera lectura del mismo, el cual siempre es muy claro. Pero esta forma de transmitir los pensamientos que tiene Coleman mediante argumentos irracionales deja entreabierta la posibilidad para infinitas interpretaciones, todas de ellas válidas e igual de lúcidas e interesantes. Quiero citar algunos pasajes de su obra como el párrafo anterior que acabo de mencionar, a ver si ud. lector puede entender mi punto, y quizás hasta entender cómo logra este efecto tan extraño. Yo creo que va mucho más allá de la inteligencia y el carisma de los que, ya sabemos, Coleman dispone y de sobra.

Now, in accepting the endless possibilities of the irrational domain we can evoke a chosen picture of the past to influence the present and future. The rejection or alteration of conventional perception of measurement, fact, time and reason can shatter restrictive barriers and open up frightening possibilities. To illustrate the point, an elementary annihilation of the assumption that Columbus was the first navigator across the Atlantic changes the entire Western concept of civilisation. Again, should we choose a certain axiom as a starting point, we do so regardless of so called fact or reason.

However, today at the Courtauld Institute we shall be focusing our attention on those forces visible behind the changes in modern society. And how we may view these criteria with true objectivity from within the medium of music...

Y así Coleman nos pone en tema. Quisiera saltearme algunos párrafos (todo aquel interesado puede leer la charla entera aquí o puede escuchar el disco, aunque el mismo no ha sido editado en Argentina lamentablemente) para pasar a lo que, a efectos de esta humilde y poco abarcativa review, creo que es lo más interesante/importante.

Uno de los primeros conceptos de los que Coleman habla es del rol del artista dentro del grupo de personas con las que convive, digamos la sociedad. El principio es muy simple, la función del artista ha sido por mucho tiempo la del entretenimiento, y aún antes de eso, la del registro directo y literal del conocimiento para que sea transmitido a las generaciones siguientes. Con el desarrollo del tiempo, la actividad artística evolucionó hacia planos más elevados, sobre todo el renacimiento y luego lo que los románticos llamaban “lo sublime”, llevaron al arte a terrenos más cercanos a sentimientos y emociones mucho más complejas que el simple placer o felicidad. El punto que Coleman plantea entonces es usar el sentimiento de incomodidad, disgusto y hasta el dolor como herramientas para el artista. Moviéndose entonces mas allá de lo que el artista denominaría “la belleza”, Coleman nos explica como Killing Joke nace, con la premisa explícita de perturbar a su escucha, o en palabras del mismo Coleman:

We firmly believed that by employing a reversal of this process, true progress could commence. Now, this was far from a contemporary ploy but a utilisation resembling a healing therapy of antiquity. Now, let me explain: the fundamentals of such performance are clearly routed in the venerable healing magic of the ancients, I assure you. Central to this very old form of therapy is the idea that if you suffer from the underworld you can only be cured in the underworld. Underworld.

It is a homeopathic principle. The cure for a sickness is accomplished by dosing the patient with minute quantities of substances which in larger doses would actually create the very symptoms of the sickness. Such a cure for a sickness involves experiencing a little of the essence of sickness.

Creo que el principio se entiende perfectamente. No sé si hace falta aclarar algo: La intención del artista en este contexto es puramente humanitaria, actuando como reflejo de todo lo malo que nos rodea, lo que Coleman llama “the underworld”, el arte nos inyecta dosis de negatividad que sirven para inmunizarnos de dicha negatividad. Más específicamente, y sin usar la metáfora homeopática, es lo que ocurre cuando alguien nos abre los ojos a una realidad que no conocemos, el bajo mundo, aquel que permanece intencionalmente fuera de nuestra vista porque su accionar no debe ser percibido por los que somos directamente afectados por él. Y de esta forma tomar conciencia de lo que pasa, evitar el escapismo. Esto que suena tan sencillo, no es un concepto que se le haya ocurrido a Coleman, obviamente, pero si es interesante como este bajo mundo es caracterizado por el músico mediante conceptos esotéricos y es aquí donde entra entonces la explicación en el campo de la irracionalidad. Pero antes de pasar a esos tópicos (los cuales voy a tocar por encima, ya que no tienen mayor importancia más que la anecdótica, y dudo que sean interesantes para alguien que no esté interesado en Crowley o Lovecraft y su horror cósmico) quisiera mencionar lo que para Coleman significa este bajo mundo, el underworld, pues es aquí donde el músico despliega sus mayores momentos de lucidez:

The initial symptoms have escalated into a monstrous plague. It does not require much imagination to locate the underworld within a scarred, butchered landscape. Industrial wasteland, inhumane concrete hovels, resembling rabbit hutches stacked up on top of one another. Created specifically for maximum capacity at minimum expenditure.

Grotesque Judeo-Christian compassion exposed in its truest form, directly reflected in the environment. Homes for the common people that have been consciously designed to perpetuate an ignorance, clearly intended to be left at their own devices within controlled surroundings.

Do you follow?

Those individuals who are either insensitive or too weak-willed to command and control their immediate environment are collectively housed. Widespread mediocrity in its most terminal context eliminating even the human dignity of a slave, I believe.

You go to Sheffield; we'll go to Sheffield. Let's take a look around Sheffield. Take a good look! Drained, soul-less young men and women drastically alienated from the natural order over-compensating in puerile fantasy, debauchery games and various trivia encouraged by ... consumerism. That which remains of the instinct unconsciously anticipates the absolute horror of mass annihilation, vast and impersonal. Envisaging themselves so disgustingly humiliated by their own vulnerability, powerless to react, powerless to react on any defensive or significant basis. A collective nightmare of the day, you know the day, when looting, pillage and screaming insanity reigns. A hideous prelude of pure terror concentrated within the boundaries of minutes, seconds. Man suffering the indignity of resembling panic-stricken battery chickens awaiting slaughter, pathetically running 'round in circles at random.

Erg...

Decisions determined in the lives of billions made exclusively by microchips impregnated and programmed with the epitome of rational thought.

You can imagine the irony of the dilemma.

Listen to me well.

Absolute conflict. Destruction and mega-deaths are logical and imperative assumptions. Overpopulation at loggerheads with human compassion. The hygiene of conventional war obliterated by the escalation of technology thus all reason made obsolete and redundant by the rationalist himself. Mass unemployment also caused by rapid development of technology. Manpower no longer economically viable. Abandoned industrial areas claiming a greater surface area than farmland, thus only enough harvest produce to feed one eighth of the existing population.

Do you understand?

Nations ideologically opposed to one another dependent on each other for existence, import, export, mutually assured destruction, M.A.D. Foreign policies based on the same principles evident in the period of time prior to the second World War, now applied in this temporary stage of super-technology.

Now, I think we'll both agree, I think we'll all agree that such extreme pressures of the decade seem to almost transform human awareness into a curse. Yet, we still find perspective within the primal performance that embodies such extremities or should I say sicknesses?

I believe it is necessary to look beyond the face value of such seemingly horrific events. Extremities that we observe on a daily basis must be viewed as a link or a transition. One cannot bypass initiation, thus the work of Killing Joke becomes considerably more coherent when seen in terms of a generator musically suggesting such a process.

¿Teorías conspirativas? ¿Paranoia global? Permítame disentir. Esto no es más que una mera descripción de la realidad (bueno, excepto lo de los implantes en microchip, ya que recién ahora la bioelectrónica ha llegado a dar algún resultado, aunque todavía años luz de microprocesadores biológicos… ni hablar en 1987), y he optado por incluir esta descripción casi completa en esta review porque sinceramente no tiene desperdicios. ¿El punto de todo esto? Creo que lo expresa claramente en el último párrafo de la sección anterior. En definitiva, si este chorizo de texto, o la perorata hablada por Coleman no puede llegarle a la gente, quizás un formato más atractivo y cercano al sub-mundo del entretenimiento pueda servir a ese propósito. Y como herramienta puede funcionar mucho más eficientemente considerando las posibilidades de la difusión mediática que tiene el arte, más particularmente la música.

La explicación de cuál es la fuente de toda esta negatividad, la dejo para que sea leída por todo aquel que le interese. Como dije antes, el uso de argumentos irracionales para explicar la realidad es el recurso que plantea Coleman y es aquí donde entra su juego mental con la audiencia. Su justificación de la realidad empleando conceptos como los Dioses Arquetípicos, Los Ovidados, la numerología aplicada a los ritmos musicales (no perderse la descripción que hace Coleman de una de las partes de su disco “Outside the Gate” mediante la utilización del patrón rítmico 13/12 como símbolo de la regeneración y el plutonio). Si, no creo que valga la pena transcribir esta sección, ya que irracional y metafísica como es, bien podría haber servido una de las rimas de Calamaro para generar el mismo efecto. Aún así como dije antes, recomiendo leerla para ponerse en contexto y tratar de entender el porqué Coleman cae en el uso del ocultismo para sus elucubraciones, considerando el concepto planteado al principio de la charla.

Solo quisiera mencionar algo al respecto, y esto es lo más desconcertante sobre el buen amigo Coleman, que es el hecho de que en 1982, y motivado por esta obsesión con el ocultismo que había germinado en él, decide mudarse a Islandia previendo la venida del fin del mundo, decisión a la que se sumaron sus compañeros de banda en el mismo año y en el siguiente. O sea que sí, es muy probable que cuando Coleman habla de este underworld constituido por Los Olvidados, entidades que yacen ocultas en el Medio Oriente encerradas en dimensiones ajenas a la nuestra, el tipo esté hablando absolutamente en serio. Desconcertante, y fascinante a la vez, yo no he logrado entender como conviven ambas cosas en la cabeza del buen Jaz: la lucidez de su visión del mundo y la explicación absolutamente descabellada que esgrime de ella. He aquí la belleza de su argumento:

So, how do we explain the prevailing trend towards self-destruction in civilisations of both the East and West? Is it, as Professor Velacovski suggests, that the terrifying memory of massive global cataclysms has been wiped from the amnesiac human psyche and that those, the collective unconscious, who refuse to understand the past are condemned eternally to repeat it. Or, I ask, is there another reason? I feel that the true answer is far simpler than Professor Velacovski suggests. Whilst his hypothesis has something, I feel the underlying answer is far more straightforward, though perhaps less attractive to the intellectual.

Man's behaviour patterns when scrutinised with true objectivity force us to accept the unyielding conclusion that he is an irrational primeval beast. He needs, he needs magic and miracles to dominate his existence. His unconscious mind yearns for this.

Now, it would be correct to assume that in our rational society the magic of current religious practice is no longer evident in daily life. Consequently, the unconscious habitually searches for a primal source of power worthy of marvelling at whilst retaining a one-dimensional perception corresponding to the age of reason. For example, Pascal Jordan, the great German physicist, recollects the early years of atomic research thus, and remember this well: "Everybody was filled with such tension that it almost took their breath away. The ice had been broken! It'd become more and more clear in this connection we had stumbled upon a quite unexpected and deeply embedded layer of the secrets of nature."

Doctor Oppenheimer, the pioneer of the atomic bomb, also remembers: "Our understanding of atomic physics of that which we call the quantum-theory of atomic systems had its origins in the turn of the century and its great synthesis and resolutions in the 1920s. It was a heroic time, a time of earnest correspondence in the horrid conferences, of debate, of criticism and brilliant mathematical improvisation; for those who participated it was a time of creation. There was terror as well as exaltation in their new insight."

Now, from these two excerpts we can deduce that there was great excitement about the discoveries taking place. The unconscious worship of power tapped through fission had already begun!

Brilliant men and women who represented the quintessence of the scientific rationale were now linking their consciousness to the fantastic! An irrational domain that deified even the minds of the very acolytes responsible for its creation.

Las citas de científicos sobre el descubrimiento de la energía atómica van de lo espeluznante a lo desconcertante. Desconcertante es la palabra. Aún así, tal vez no sean EL argumento definitivo a favor de Coleman, pero debemos reconocer que tiene un buen peso a su favor. Tal vez si, podríamos reconocer que la liberación de enormes cantidades de energía mediante la fisión nuclear es tan abrumadora que las brillantes mentes del siglo XX no llegaron a abarcar la magnitud de su descubrimiento:

"The whole country was lighted by a searing light with an intensity many times that of the midday sun. Thirty seconds after the explosion came first the air blast, pressing hard against the people and things, to be followed immediately by the strong sustained awesome roar which warned of doomsday and made us feel the we puny things were blasphemous to dare tamper with the forces heretofore reserved to the almighty.”

"Words are inadequate tools for the job of a quantum dose not present, metaphysical, mental and psychological effects, it had to be witnessed to be realised." - General Farrel, 16th of July 1945, the Manhattan Project.

"The second coming in vengeance!" Winston Churchill on the atomic bomb.

Por supuesto, todos ellos sabían o más tarde sabrían sobre las fuerzas fundamentales de la naturaleza, la gravedad, el electromagnetismo, las fuerzas nucleares fuerte y débil y sus magnitudes, las relaciones e importancia que todas ellas tienen en nuestra vida diaria y cómo hoy se usan para, ya sea mejorar nuestra supuesta calidad de vida o deteriorarla. Pero en el momento del descubrimiento, la realización de su existencia si puede haber causado un impacto tan grande que haya llevado al colapso de la razón, la aceptación o intuición de fuerzas sobrenaturales por parte de mentes absolutamente racionales y estructuradas, como una primera reacción ante tal descubrimiento. Esto en si juega a favor del argumento de Coleman, y aún así tampoco es una idea nueva, sino parte de las ya conocidas formas del pensamiento humano: el pensamiento mágico, el pensamiento dogmático y el pensamiento racional, siendo siempre alguno de estos tres en determinado momento del desarrollo de la historia de la humanidad el que prevalece por sobre los otros dos. Y aún así todos y cada uno de nosotros llevamos algo de los tres en nuestra forma de pensar. Pero no quiero delirarme yo también. Solo déjeme reproducir aquí, sr./a. lector/a, algo que menciona Coleman con respecto a sus argumentos esotéricos que tiene mucha relevancia con este razonamiento sobre lo irracional:

The situation, I'm speaking to you now, the situation today facing us forty or so years after the first atomic explosion at Alamogordo only reinforces my point: the collective unconscious everywhere now eagerly anticipates the return of the Old Ones.

Dark aspects or gods of blind terror, pre-rational and immensely powerful. Entities we have invoked back into our existence through the portals of our very actions. Our own discovery of thermo-nuclear energy has unsealed the gateway. These dark elements of nature have already partially resumed control of the race.

Where are they? Huh?

Where are they? I assure you will see them when you've finished this lecture.

Where are they? They are evident in the mayday celebrations in Moscow and Peking as the intercontinental ballistic missiles are gloriously paraded down the street.

They are there.

…

Armaments of obliteration in all their forms have become symbols, or idols, of a rational world with which man has begun to worship bodies of unlimited power. The confusion and hypocrisy that surrounds the potential employment of these weapons only broadens the irrationality of the human psyche, for it should be known, it should be noted, that the image of the enemy remains unalterable.

Do you hear me?

El argumento que esgrime Coleman en favor de estos supuestos “Antiguos” es uno que en realidad tiene una base muy racional y el mismo Coleman lo menciona:

The adrenaline induced by fear manifests the focal point of worship in the conscious mind! Naturally, as soon as the assault on the conscious mind from the external world subsides, the link with the unconscious is broken…

En definitiva el miedo es mucho más primitivo e intrínseco al ser humano que la razón, y es por eso que las primeras reacciones humanas ante estímulos muy fuertes del exterior son irracionales, tan irracionales como el miedo. He aquí el link con estos seres a los que llama “Antiguos”, que en definitiva representan el bagaje que llevamos dentro como especie parte de la evolución y esa información que es transmitida de una generación a otra en el tiempo.

El tiempo es otro de los tópicos importantes en la charla de Coleman. Llegando al clímax de su desarrollo, Jaz plantea como Killing Joke busca revertir el tiempo, deformarlo y hacerlo moldeable al antojo del músico:

If I had to condense the foremost aim of my musical endeavours over the last eight years into one paragraph, I would say that it has been to create a concrete vision of the future by suggesting a spiralling recession of time. The regression of every aspect of existence to its original condition of primal substance. The term "killing joke" amplifies the idea of the laughter that dispels the ultimate fear of returning to our base origin.

Nevertheless, we still have to learn that the climate of an age is unalterable. The changes we see before us must be recognised as natural growth, insofar as we can perceive nature or evolution to be. Therefore, no matter how we feel about the severity of such proliferation we cannot alter its direction. Therefore, one is forced to accept that all analytical breakdowns of developments are obsolete.

Es decir que en definitiva la visión de Coleman está muy ligada a aquel concepto del terror cósmico que planteaba Lovecraft, ese que decía que nuestro destino no está en nuestras manos, ni en las manos de un dios compasivo y benévolo. Nuestro destino es la condena del caos, determinado por supuestos entes absolutamente amorales y mucho más primitivos que el bien y el mal. En definitiva una forma figurativa de decir que nadie controla nuestro destino, y eso incluye a nosotros mismos. Aleister Crowley, otra de las referencias mencionadas por Coleman en su charla, también plantea este concepto Lovecraftiano, pero no lo pone en términos pesimistas, sino como una de las características esenciales de la existencia, a la cual no deberíamos temerle sino tomarla como un desafío. Como dijimos antes, el miedo es irracional sobre todo el miedo a lo desconocido y lo que está fuera de nuestro control, lo que Lovecraft plantea en su “horror cósmico”, puede ser de hecho tomado como algo inevitable y que ni siquiera debería ser juzgado como bueno o malo.

Este proceso de revertir el tiempo, también es usado por Coleman para trazar proyecciones en el futuro, y obtener algunas conclusiones bastante interesantes sobre como podría preverse el holocausto de la humanidad según las prospecciones apocalíptico-nucleares que se esgrimían a mediados de los 80’s. De nuevo, no quiero transcribir aquí este argumento, aunque si recomiendo leerlo/escucharlo ya que es uno de los mejores ejemplos de cómo el proceso de pensamiento irracional se entremezcla con el razonamiento clásico científico para llegar a conclusiones que no tienen sentido alguno. Escucharlo hablar a Coleman a esta altura de la charla es un placer en si mismo, y es increíblemente atrapante en la forma de expresar sus argumentos: Coleman organiza esta proyección en el tiempo hacia el futuro en 10 pasos que nombra consecutivamente mediante las letras del abecedario, terminando en la J, de “Joke” (Broma). Genial, yo también ovacionaría de pie sin dudarlo.

When we achieve polarity and we stand with our heads above the heavens and our feet below the hells. Stand upright. Now, much attention is given these days to the work of H. P. Lovecraft whose fictional entity seems to correlate to the major shift in global trends. Only the other day I picked up a magazine that contained an article by one Peter Smith expanding on H. P. Lovecraft and the occult tradition. He says: "Lovecraft is a particularly interesting case of transmission via dream. He violently denies the idea of the existence of occult phenomena. Nevertheless, this denial is belied by the unconscious elements of his stories, indicating a division between the rational and intuitive side of his personality. With the appearance of each story an underlying pattern becomes evident. 'All my stories'. He wrote, 'unconnected as they may be, are based on the fundamental law or legend that this world was inhabited at once time by another race who in practising, who in practising black magic lost their foothold and were expelled, yet live on the outside, ever ready to take possession of this earth again.'"

Now, this is the central theme of 'The Call of Cthulhu' written in 1926. 1926 that must be about, what, 12 years before, 12 years after the Aim of Horus which happened around the year 1904. I'm to understand. Correct me if I'm wrong. Don't bother.

The subject of the story is the idea that at certain times when the stars assume their correct position these dark powers can influence sensitive individuals, giving them visions of the great Old Ones or, if they resist, driving them insane.

These entities exist in another dimension or vibrational level and can only enter this world through a specific window area or psychic gateway, a concept fundamental to many occult traditions. Lovecraft describes the world after the return of the Old Ones: "Mankind would become free and wild beyond good and evil with laws and morals thrown aside and all men shouting and killing and revelling in joy. Then the liberated Old Ones would teach them new ways to shout and kill and revel, and all the world would flame with a holocaust of ecstasy and freedom."

There is a marked similarity in this passage to the teachings of many secret societies including the Assasins, the Gnostics and the Templars. But in particular, to the law of Thelema as expressed by Lovecraft's contemporary the very dubious character Aleister Crowley. Very dubious character!

The main distinction between them, that is Lovecraft and Crowley, is a moral one. whereas Lovecraft regarded these ancient gods as essentially evil in nature, Crowley saw their return as being in full accord with the progression of aeons which means it is, and it is to be.

Pesimista como suena Coleman, este juego que arma entre la broma asesina y la realidad plantea en definitiva un mensaje muy positivo. Más allá del hecho fascinante de no saber hasta qué punto Coleman le está tomando el pelo a su audiencia, de lo horrible de las predicciones de autodestrucción de la humanidad, las imágenes de decadencia que el presente mostraba en la Inglaterra de los 80’s, Coleman no nos dice otra cosa que: “despierten, usen sus cerebros, no se dejen manipular”. Lo cual no es algo nuevo para Killing Joke. Tal vez para otras bandas pero no para esta.

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